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世界名画赏析三

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世界名画赏析三世界名画赏析三 《大宫女》 让一奥古斯特.多米尼克.安格尔(1780--1867)出生于法国的蒙特庞省。,,岁,他拜大卫为师并在斯画室学习绘画。大卫很欣赏安格尔,就像后来安格尔欣赏德加一样。这种关系如同维系着两个神秘世界密不可分的绳子一样,这根绳子的一头拴住古典主义的门环,另一头扣着印象主义的把手。 安格尔的艺术“清高绝俗,庄严肃穆”,这一切可以通过他的重要作品《大宫女》体现出来。画中,安格尔放弃了很多不必要的细节,使之统一在一片安详静谧的和谐气氛之中,就像精心计算过一样,每一个“数字”所代表的全都是和整体息...

世界名画赏析三
世界名画赏析三 《大宫女》 让一奥古斯特.多米尼克.安格尔(1780--1867)出生于法国的蒙特庞省。,,岁,他拜大卫为师并在斯画室学习绘画。大卫很欣赏安格尔,就像后来安格尔欣赏德加一样。这种关系如同维系着两个神秘世界密不可分的绳子一样,这根绳子的一头拴住古典主义的门环,另一头扣着印象主义的把手。 安格尔的艺术“清高绝俗,庄严肃穆”,这一切可以通过他的重要作品《大宫女》体现出来。画中,安格尔放弃了很多不必要的细节,使之统一在一片安详静谧的和谐气氛之中,就像精心计算过一样,每一个“数字”所代表的全都是和整体息息相关的极其“危险”的事件,随意发动其中的任何一处,都会使整个画面彻底坍塌。这也似乎验证了古希腊哲学家毕达哥拉斯“数与和谐”的理论,毕氏仰望夜空,都能感觉到星辰的组合像是用数字组成的音乐,比例、色彩、像数字一样按一种奇妙的秩序排列着,华丽而不失平和。安格尔早年游不意大利时,也一定通过古希腊的艺术作品感受到了毕达哥拉斯哲学的这种富于神性的美。故意拉长 的身体,似乎体现了一种古希腊雕刻的肃穆庄严的美感。艺术产并不是盲目地复制现实,而是对倾入全部感情的生活中绽放的精神之花的倾力表达。这是一种美感,不需要任何理由。齐的石说作画“妙在似与不似之间”,在形体脱开世俗的桎梏之后,精神才会完满。这也表现在他的很多绝妙的素描之中。比如他为小提琴演奏家帕格尼尼画的一幅肖像,精简而不失气度,摒弃了日常光线在视觉中的假象,把阴影和调子减少到极致,内在的形体和神采才能辉映于方寸之间,如藕塘雨后新荷,不惹半点尘埃。 安格尔画的女人难免令人想起文艺复兴以来西方的人体画传统,但是有心的读者或许会注意到,画中女子的打扮并不是一个典型的西方人,她包着土耳其头巾,手拿孔雀书羽扇,就连衬景的绸缎也散发着异国的光彩。从题目中知道,这画的是奥斯曼帝国的宫女。在西方的脑海里,妻妾成群的宫女是东方社会原始,落后的标志,同时她们又的确具有神秘的吸引力。不过,安格尔笔下的女子意义还不仅如此。创作这幅画的时候,正值法国在对奥斯曼的战斗中失利,法国人从此深深意识到,曾经占有的伊斯兰领土正在不可抗拒地失去。在这样的情况下观看只有在私密空间才能看到东方女子的形象就别人一番含义,它潜藏着一种心理上的欲望和征服。安格尔毫不掩饰,甚至极力夸张女人体感官上的魅力,同时又极其冷静,富有克制力地将它表现出来,恰好为观众 的视觉与欲望之间提供了适当的安置。 《梅杜萨之筏》 谈到美术这个行业,人们往往会将它与“浪漫”联系在一起。那么浪漫究竟具有怎样的含义呢,它可以指定于诗意和幻想,可以指澎湃汹涌的激情,也可以指夸张,不逐受拘束的行为方法。作为一种艺术趣味和倾向,“浪漫”最早指中世纪的传奇和爱情故事,而作为一种具体的风格,浪漫主义要到,,世纪才形成真正的影响力。法国画家籍里柯(,,,,,,,,,)被认为是将绘画从古典主义带入浪漫主义的先驱,下面,就让我们通过他的作品,来感受一下浪漫主义绘画的魅力。 首先要声明的是,尽管“浪漫”经常让人想到不切实际,但这张作品却是根据真实的历史事件而创作的。,,,,年,月,法国政府派遣巡洋舰“梅杜萨号”,载着,,,多名官兵民及少数贵族前往圣.路易斯港。率领舰队的是一各明显缺乏实际能力的舰长,由于他指挥错误,舰队在途经西非海岸时不慎搁浅,造成了惨重的事故。遇到险情,舰长和一些高级官员赶紧乘救生船自顾逃命,而将其余的,,, 多名普通士兵抛在临时反搭制成的一只木筏上,让他们听天由命。这些人开始在大海上进行漫无边际的漂流,十几天过去了,海浪、饥饿、绝望威胁着每一个人,木筏上发生了一幕幕骇人听闻的惨剧:有人被卷入大海,有人因饥饿难忍而啃食死者的肉,有人看到这一切忍不住精神崩溃,导致相互残杀。,,天过去了,木筏上只剩下,,个人,这时他们发现远处有船帆飘动,于是重新燃起了生的勇气。最终,他们获救了,其中,个人在上岸不久后也因过度虚弱而死去。 ,,,多人,只有,,人幸存下来,无论如何,这也是一场特大的惨剧。但法国政府为了逃避官方的责任,对此事只做了简短的报道。这一事件遭到舆论的一片哗然,籍里柯也格外愤慨。当下,他开始聆听幸存者的叙述作为灵感的来源,同时也对腐烂的尸体。重危病人等进行现场写生,搜集素材。他要以此为题,创作一张饱含激情和想象力的画,让它再现出惊心动魄的场面,为了这幅画,籍里柯,还托筏上一个生还者木匠制作了一只木筏模型,让黄疸病人做模特儿,在上面摆出各种惨状。为了能够真实地表现出海浪和天空,他也亲自去海边进行研究。一切准备就绪了,剩下的就是如何以艺术的构思进行创作。我们看到,最终完成的画面采用了金字塔的构图,船帆与木筏的的幸存者正好构成一个三角形,成为画面的中心,向观众明白展现出木筏在海上村落的情景。有的人已经死去,有的奄奄一息,有的人抱着亲 人的尸体陷入沉思…… 而一堆振臂向前的人冲破了稳定的大三角形的束缚,又构成一个动荡,富于激情的三角形。他们一个推一个,直到最高处的人被高高的举起,挥舞着一块红巾。顺着他们呼喊的方向,细心的读者能够在远处的浪尖上发现一个细微的船影,与迫在眼前的死亡相比,它意味着生的希望。 画家用了,,个月的时间来描绘这幅力作,以后又做了不断的修改,当它第一次公开展出的时候已经到了,,,,年。展出时的轰动效果恐怕连作者本人也不曾料想到。尽管这一事件已经过去许久,但当人们站在画作前,似乎又看到了汹涌的海浪,又看到了士兵们孤立无援的境况,画面不是在四平八稳地叙述,而是通过匠心独具的布局和触目惊心的描绘,强烈地刺激了观赏者的情感。被称为“浪漫主义雄狮”的德拉克洛瓦看过这幅作品后,像发了疯一样,径直跑回自己的画室,开始寻求同样激动人心的创作方法。而波旁王朝的拥护者们则恨不得将此画劈成碎片,以泻心头之恨。具有讽刺意味的是,最终是国王路易十八出面才使这幅画作免遭厄运,他将《梅杜萨之筏》捐赠给卢浮宫美术馆,在那里永久的珍藏。 《希阿岛的屠杀》 新古典主义画派与文艺复兴的传统之间关系其实并不太大,它们唯一的相似点恐怕只有在形式上。而画家掌握这种形式的技法主要通过专业的美术学院来传授,因此人们也将其称为“学院派”。这种画法被官方普遍认同,每年一度举办沙龙,从中评选最优秀的作品和画家。在当时来讲,学院派画家的创作无疑与 官方立场以及大多数人的审美趣味相一致。而谈到浪漫主义,最好也不要孤立的理解它,著名的诗人雪莱和拜伦,还有音乐家贝多芬、肖邦、都是,,世纪浪漫主义艺术的杰出代表。尽管一开始的时候他们并非主流,遭致了来自各方面的不少责难与非议,比如拜伦被视为贵族的叛逆者,贝多芬也被认为是个十足的疯子,但是,在这些浪漫主义者身上,真正体现着时代变革的气息,与缠绵悱恻的浪漫爱情不同,他们强调自由、解放、打破传统束缚、个性张扬。毕竟,在这一百年里,不论哪个民族,要求独立、民主、平等、的呼声都未曾如此强烈过、革命在世界各地频繁爆发,浪漫主义者的眼中充满了对新世界与新秩序的渴望。 德拉克洛瓦(,,,,,,,,,)是一个意志 顽强的人,一个多才多艺的画家,他拿起画笔,以富于激情的动感的构图与色彩挑战了保守的学院派传统,受到 青年一代画家的普遍尊敬。《希阿岛的屠杀》是他,,岁时的一张杰作。与籍里柯的《梅杜萨之筏》一样,它取材于真实的历史,记录了奥斯曼土耳其士兵残酷镇压希腊人民起义的历史事件。,,,,年,土耳其人占领了属于希腊版图的希阿岛,并且洗劫了这个小岛。作品中画家将土耳其侵略者画得人高马大,即使东方的铁骑行将衰落,可仍然具有致使的杀伤力,马的后面还拖着劫掠来的妇女,俨然一副获胜者的恣意模样。而在他的斜下方,手无寸铁、备受蹂躏的岛上居民与之形成三角形构图。老人仰天怅惘,不知等待他的命运会是怎样,神情疲惫的男子与女子依偎在一起,满脸绝望。还有两个人紧紧拥抱,不忍面对眼前的情景。画面右下方横躺着奄奄一息的少妇,胸怀裸露,不谙人事的婴儿伏在上面寻找活命的母乳。这是动与静、强一弱、压迫与无助的对比。德拉克洛瓦向世人展现了一个征服与被征服的世界,这里有残忍、勇猛、坚毅、愤怒、恐惧、哀求、抗争、兴奋和绝望、空气中弥漫着混杂的情感,充斥着强大与弱小,武力与良心的较量。画家为了将这些对比效果表现得列强烈,采用了狡诈和笔触和色彩。黄色。红色、蓝色以及穿插其间的白色与黑色,使观众的目光始终不能停留在一点,随着情景的变换面心情波动。当德拉克洛瓦作品送去沙龙展览,官方看到这样狂放不羁的作品自然不是很欢迎。不过巧合的是,就在那次沙龙展上,同时展出的还有英国风景画家康斯太勃尔的作 品。它那明亮的天然用光使德拉克洛瓦大受启发,他又把画搬回自己的画室,对背景中的天和云做了修改,使画面带回具有宏伟瑰丽的壮阔感。在天边夕阳的照映下,无论是战马上的武士还是无辜受难的平民,谁都无法捕捉住他们将来的命运。当时有人看过这幅画后不禁感道:“这不是希阿岛的屠杀,而是绘画的屠杀。”不过,德拉克洛瓦正是凭借他的激情和创新,给予后来的印象派以深刻影响。 《自由引导人民》 《自由引导人民》恐怕是西方绘画中最家喻户晓的作品之一,它的形式被制成各种印刷品、邮票、钱币、在世界各地广为流传。有的时候因为太常见了,我们甚至反而模糊了它本身存在的意义。其实,它之所以有这么大的影响力,不仅因为像介绍中常说的,是一张典型的浪漫主义美术作品,而且也在于它恰如其分地表现了现代社会最核心的政治主题;自由与人民。或许这二者应该结合起来看,浪漫主义的出现本身就传达了渴望自由的呼声。正如德拉克洛瓦自己所说:“如果认为我的浪漫主义是意味着自由表达个人的感受,不墨守成规,不喜欢教条的话,那么我承认我是浪漫主义者。” 这幅作品的创作背景是,,,,年法国的“七月革命”。,有,,日经过第二次复辟的波旁王朝为了增强皇权,宣布解散议会,限制公民的选举权和出版自由。这激怒了法国人民,他们再一次采取暴力革命,工人、商人、知识分子、城市居民、纷纷走上街头,举起枪支和石块,向王宫的壁垒进军。从民进行了有一天艰苦的巷战,最终战胜了保皇党人的军队,逼迫国王查理十世退位。德拉克洛瓦本人并没有参加这次战斗,但由于巷战打的最激烈的地方距离他的工作室很近,因此目睹了许多真实悲壮的场景。例如一个名叫克拉拉.莱辛的首先在街垒上举起了象征法兰西共和国制的三色 旗,而少年阿莱尔则勇敢地把这面旗帜插到巴黎圣母院旁的一座桥头上,在中弹倒下之前还杀死了一名国王的士兵。受到人民起义的感召,德拉克洛瓦决定创作这件以当代事件为题材的作品。在给哥哥中的信中,他写道:“虽然未能为祖国的自由而作战,但我至少要用绘画来为祖国争光~” 画面采取了顶天立地的构图形式。倒在地上的尸体,战斗的勇士以及高举法国三色国旗的女子,构成一个稳定又蕴藏动势的三角形。他们身后都是一往无前的战士。周围硝烟弥漫,远处的建筑是巴黎市中心的标志――― 巴黎圣母院。谁都可以看出,这是一个热火朝天的战斗的场面,战死的人,受伤的人、冲锋的人,全都表现得精确逼真,令人如同身临其境看到现场一样。不过难免有观众传问,为什么现实中出现一位袒胸露怀的女子形象呢,这就要谈到德拉克洛瓦的浪漫气质了,他将神话中的自由女神与浴血奋战的人民安排到一起,她长着希腊雕塑般的轮廓,穿着朴素古典的衣着,与周围身穿现代服装的男士们相比,她更像一个抽象的人,代表着最高的精神义。不仅如此,画家将他本人也画到作品里面,头戴高礼帽,身穿燕尾服,手中紧握长枪。这种将自由女神与反抗人民组合,具有强烈号召力的作品在雕塑家吕德的作品中再次出现。这是位于巴黎凯旋门上的一块浮雕。它表现了,,,,年,马赛人民高唱《马赛曲》,抵抗奥地利军队武装干涉法国革命的情景。如今这两件作品都 穿越历史,成为代表法兰西民族精神的标志。正如诗中所歌唱的那样“自由~人的旗帜虽然已被撕破,便仍在大雷雨中迎风飘扬,你的号角声虽然已经破碎而逐渐微弱,但它仍超过暴风雨的最高声浪。你树上的花朵已经散落,而且树皮被斧子砍伤,看起来粗糙,一值一文,但树液仍然存留着――而且我们看见那种子深深种植着,甚至种在北方的胸膛里,将带来一个美好的果实,甘美的春天。” 《台岑祭坛画》 德国哲学家狄尔泰 认为,浪漫主义不只是一个流 派,而是代表了一代人,一代 感情深刻、思维敏捷的思想 家、艺术家和诗人、确实,浪 漫派意味着多种含义即使同 时代自称浪漫主义者的人也 持有截然不同的看法。不过在 所有含义中,有一点是最主要 的,那就是对人的新的理解。 浪漫主义肯定人的平等、自 由、博爱、同时也从这个角度 重新认识了自然、浪漫派的自 然是某种神秘莫测的未经人 化的、实际上是自然的东西、 身处其中,人类时刻会感受到 来自它的威严。对于浪漫主义 来说,只有人性与自然合一才 能找到美感与生命的最高意 义。这种新的趋向在德国从, ,世纪未就已经开始。 德国风景国 大师,弗里德里希(, ,,,,,,,,年) 浪漫主义绘画的代表。关于他的生平,我们能了解到的不是 太多。他曾在哥本哈根受过正规的美术训练,,,,,年定居德累斯顿,后来在德累斯顿美术学院教书。不过,他的艺术并没有按照学院式的道路,反而发展出一种独特的风景画风格,借以表达他个人的悲观哲学。他与著名风景画家康斯泰勃尔、特纳一起成为风景画道新道路的开创者。他描绘的风景决不是大自然景物的单纯模仿,也是不脱离实际的主观臆想,而是将自然的真实写照与艺术家的内心感受融为一体,赋予风景画以深沉的内涵。弗里德里希通过风景画表达了对大自然神性的憧憬,十字架在他的绘画中反复出现,而且都处于居中的位置。 这幅《台岑祭坛画》是画家于,,,,年圣诞节创作的,并在圣诞节上进行了展览,当即引起了保守派的公开批评,掀起了一场保守派与坚持浪漫主义创作原则的革新派之间的论战,最后以弗里德里希的胜利而告终。此幅作品是为一个私人教堂所创作的祭坛装饰画。他描绘的那片风景,那从危崖的十字架上升起的神秘光线,已全然是一派非人间的气象。这件作品的内容固然也与宗教信仰有关,但更与艺术家对信仰的理解有直观感受有关。那些古典时代的宗教画很少像弗里德里希的作品那样鲜明地表达出艺术家自己的情绪。他借用基督的死亡与复活的名义,大刀阔斧地修改自然的形态,在一定程度上仿佛回复到了中世纪时代艺术的装饰性效果,并在无形中提示了一条侧重想象与冥想的艺术道路。无 论如何,弗里德里希突破了“历史风景画”的学院教条,并设法为画面注入一种发人深思的力量。虽然其色彩感觉略显平淡,便他作品中的环境气氛毕竟是激动人心的。画家自己设计了边框。上方是凌空的天使,整整下方则是象征圣餐的葡萄和麦穗,它们制成洒和面包。而中间是一只上帝之眼,散发着夺目的光芒。在一片金灿灿的边框中,画家通过绘画把基督送回自然,使自然本身超载了空间与历史,浸透着满怀感情的信仰。 弗里德里希早期绘画作品中多出现具旬的哥特式教堂和十字架,然而到了,,世纪,,年代,具象开始向暗示性手法演变。比如那些停泊在海上降下帆的船裸露出十字形桅杆,以左右对称的黑色松树代替哥特式教堂,左右居中有极细十字框的正方形窗口,天空中出现十字光芒…....,弗里德里希对光的精细控制和表现空间的纯净深远,就好像一首圣歌在绘画的空间中飘荡。画家自己是这样说的,“闭上肉体之眼,那么你将会首先用精神之眼看到图景。这将给你在黑暗中看到的世界带来光明,从外表感染心灵。”他在自然风景中赋予的深思与情感,深深地影响了之后的艺术家们。在,,世纪末期,有一位名叫勃克林的德国画家,他秉承了弗里德里希作品中那种深邃冥思的精神,并且更在作品中融入了象征的含义。他的《死岛》用岩石和树木在海上围成了一片寂静之地,人物在自然面前显得如此渺小但却归于 统一。 《永恒之神》 英国浪漫主义美术的代表,无疑要首推威廉.布莱克(,,,,,,,,,).他是一位古怪的诗人、水彩画家、版画家、他年纪尚轻就终日生活在自己的世界里,对官方和社会约定俗成的标准充耳不闻,后来又自办印刷所,以 雕版印刷为业、写诗作画,自己印刷出版,不管别人评价怎样。 布莱克天生具有强烈 的幻觉并受神秘主义哲学 的影响。《永恒之神》是布 莱克自己的诗篇,《欧洲, 一个寓言》所作的插图之 一。据说在作品创作之前, 布莱克看见过一个不可思 议的形象:在楼梯顶端,有 一个老人探着身向下用圆 规测量地球。这个幻象总是 在他头脑里盘旋,于是他将之与来自《圣经》的启示联系在一起。《圣经》里有一段(《箴言》第八章,第,,,,,节)说:“在耶和华造化的起头,在太初创造万物之先就有了我…….大山未曾奠定,小山未曾有之先我已出生………他立高天,我在那里。他在渊面的周围画出圆圈上使苍穹坚硬,下使渊源稳固。”在《永恒之神》中,布莱克图解的便是上帝耶和华手拿圆规“在渊面的周围画出圆圈”的宏伟的景象。在一片黑暗中,代表上帝荣耀的红色的球环绕着上帝:这个 宇宙的创造者蹲伏于深渊上面,头发被风吹向一侧。“上帝说要有光。于是就有了光。”上帝左手执圆规,创造出金色的光,划分出了光明与黑暗,照亮了深渊的边缘。上帝所使用的圆规,看似有形之物,又似无形之质。画家是想以此表示上帝创造出了一种美好的宇宙“秩序”吗,他创作此画的目的是要表现正义与邪恶,秩序与混乱之间的基本冲突,还是表现精神与物质之间的基本张力,总之,画面上充满了抒情诗般的想象和对宇宙之初的夸张描绘。 看着这幅作品有的读者会想起前面欣赏过的别处一张画,那就是中世纪罗马式的手抄本插图《上帝的创造》。它们描绘的都是上帝专心规划世界的情景,与那位身穿红、蓝相间长袍、迈步向前的上帝相比,布莱克笔下的上帝更多了一番原始洪荒的意味。他采用了正面的透视法,使上帝跪在一团红色的火焰中,从上方直对观众,凸起的肌肉和富有冲击力的视觉效果令人联想到米开朗基罗的作品。布莱克是崇拜米开朗基罗的,然而,布莱克没有使我们感觉到幻觉的真实,他描绘的只是一个恍如在梦境中出现的形象。事实上,画家在创造这位上帝的时候,并不是像中世纪画家那样一丝不苟地对待圣经教义,也不是像米开朗基罗一样致力于再现一个惊天动地的场面,他要表达的是自己心中的信仰和意象。严格来讲,画中人不能称为上帝,他只属于布莱克独创的神话体系中的一员,布莱克称之为“尤里森”。虽 然布莱克把尤里森想象为创世者,但他对世界抱有悲观的态度,把人世看得很坏,因此他也就把创造了这个邪恶世界的人当成恶魔。尤里森在漆黑的夜空中伸出那尖利的圆规,如同暴风雨之夜雷声发出的闪光,具有梦魇般犀利的效果。 布莱克的作品,不拘成法,充分发挥自由的激情和想象。作品往往寓意深刻,传达给人们一种神秘的、宗教般的情绪,同时也有他本人对宇宙的深入思考。布莱克曾为他那个时代最伟大的物理学家、天文学家埃萨克.牛顿画过一张像,在这幅作品中,受人敬仰的科学家一也没有沾染世俗的形象,他如同创世之初的上帝一样,赤身裸体,坐在粗陋的岩石上,他全神贯注的只有一件事:展开图纸,手拿圆规,去计算,去丈量。我们知道他从智慧之树上摘下了精神的果子,那足以促使他去发现物质世界的内在奥秘和规律。 ,,,,年 ,布莱克在伦敦一所简陋的公寓里去世,只有少数几倍知音陪伴着他,毕竟,属于他的时代还没有到来。他是文艺复兴以来,第一位有意识地对抗传统标准的画家,他画里的形体,根本谈不上精确,也不是日常所能见到的样子,便布莱克认为这些与他要表现的东西都不大相干,他破坏了物象的真实,却投射出精神的力量,控制一切的是他的幻想。 《,,,,年,月,日夜枪杀起义者》 弗拉西斯科.戈雅(,,,,,,,,,)同样也被认为是欧洲浪漫主义美术的先驱。他,,,,出生在西班牙北部的一个小农村。,,岁时进入当 地的画室学习艺术,后来去过意大利。从,,,,年开始进入西班牙宫廷,像他的前辈委拉斯贵支一样,逐渐成为皇宫中的首席画师。戈雅有卓越的写实才华,他对事物的可以说是尖刻而深邃。 最富于戈雅个人特点的是那些以轻松放逸的笔法,表现深刻心灵秘密的作品。焦虑与不安常常围绕着戈雅这样的天才,使他的艺术总是让人无法平静。他的作品中有时会出现美貌仙子,圣洁而高贵。有时又是面目狰狞的魔鬼,恐怖而慑人,有现实中人们的面孔,也有潜意识中对非现实梦境的描述,有天使般纯真的目光,也有奸诈淫亵的目光直逼观众。如果我们熟悉戈雅的作品,其中形象留在脑海中的印象将是无法磨灭的。而且,事实上,这些形象在我们的记忆中比见到作品时更加清晰、鲜明,因为它传递给我们的信息超越了绘画媒介本身。《,,,,年,月,日枪杀起义者》便是其中的代表。他描绘的是真实的历史事件,但让人感觉 到的却是人类面对暴力死亡时流露出的疯狂与恐怖。,,,,年,拿破仑的雇佣军入侵西班牙,首都马德里近郊的农民起义奋起抗击侵略者,可不幸斗争失败。法国人在,月,日晚间和次日凌晨逮捕并屠杀了上千名起义者。据说,从戈雅的画室正好可以远望到处决的起义者身上,他们背靠光秃秃的山坡,有的已经倒在血泊里,画面中心的人物身穿白色上衣和黄色裤子,耀眼夺目,而他的表情呢,在惊吓中张开双臂,眼神惊恐万分,内心的恐惧无从发泄。周围的人也一样,或充满愤慨,或还没有反应过来下一刻会是怎样的情景,或者,干脆蒙起眼睛,不忍直面死亡的命运。与对受难者的直接表现不同,执行枪决的士兵处在一征阴影里,只露出背影,他们端着枪,极力瞄准,身后留下长长的影子,和手中的长枪一样,以森严的秩序横在画面里。我们无法看到这些士兵的内心在想什么,他们掌握他人的生死,是血腥的直接制造者,同时他们也只是执行别人的命令,没有人真正能够掌控自己的行为。面对死亡本身,不论哪一方都失去了日常的理性,只有闪着寒光的枪口,显示出集权的无情与强硬。画面超出了正义与非正义的判断,它通过一个特殊的时刻,让观众体验到颤抖的灵魂。 对比一下《,,,,年,月,日枪杀起义者》和《查理四世一家》,我们可以感觉到二者的技法明显不同。在《,,,,年,月,日枪杀起义者》里,画家并有精确地去描绘 细节,而让整体而富于概括力的色块有节奏地出现,形成连贯的对比与响应。士兵衣服上的黑色。银灰色同样出现以死难者的袖子上,地面的黄白相间的光景形成层次上的过渡,直到在张开双臂的人身上形成最强音。而这一切都在漆黑的夜色中达到完美的统一。对形体的处理也是如此,那只张开的双手,细瞧之下只有粗粗涂抹,多少显得有些笨拙,然而放在整体的画面里有谁会注意到呢,它的色彩,笔触,姿态与周围的环境充分协调在一起,反映出人物内心的激荡与不安。它让我们感觉到,画家是多么不平静,他以一种特殊的才能,捕捉事物的潜在本质,并赋予其敏感的精神和深邃的心灵。这正是戈雅的独特之处,他的晚年越来越关注于情绪化的表现,加之耳聋的困扰,作品中更是直接充满了梦魇般的怪异景象。尽管在当时他被看作一个十足的怪人,但戈雅的确代表了对人类理性的一次质疑和反叛,他并不轻信肉眼可见的世界,而是用自己的感情使之强化,在一片混沌中表现人在命运前的渺小与不安。的确,谁又能说清这个世界空间存在怎样的秩序, 《雨、蒸气和速度,开往西部的铁路》 英国画家特纳是风景画中一位奇才,自始至终,他都是,,世纪风景大师克洛德.洛兰的忠诚追随者,他毕生的心愿就是能和这位前辈大师一决高低,当他把自己的作品捐献给国家时,明确提出的一项要求就是要将其中的一幅永远与洛兰的作品摆放在一起,可是如果只通过作品来看,读者会发现二者之间竟然存在如此迥然有异的差别。洛兰的世界静穆、单纯、安宁、那几乎是一个只有神仙存在的梦境,而特纳的世界里则沐浴着金色的光线,闪耀而不平静。他们唯一的共同点就在于,通过不同的方式,把风景提升到新的高中地位。 特纳(,,,,,,,,,)发现,绘画所能表达的并不仅仅是有形的事物,而且还有那些超出视觉范畴之外的存在,如空气、风、雨、速度、因此,他特别注意去抓住各种因素混合在一起的感觉和印象,而忽略其中的具体物象。在这幅《雨、蒸汽和速度,开住西部的铁路》中,除了在画面左侧隐约可辩的桥以及画面中央急速驶向观众的火车头以外,我们看到的只有色彩和横扫画面的笔触。欣赏,,世纪古典风景的作者看到这样的作品,或许会为其中理性秩序的丧失而感慨悲哀,有些透纳同时代的画家就讥讽他是在用拖布作画。可是,如果按照作品题目中的提示,我们也能有不少新奇的体会呢。据说,特纳这幅作品的灵感来源于他一次乘火车的旅行。当时还没有哪一种交通工具能够使人如此飞速地行驶在大地上。特纳乘车的时候正赶上外面下起雨,这 使他感觉到很兴奋,于是干脆打开车窗,把身体探到车外,充分享受在速度中,风,雨,空气迎面扑在身上的乐趣。这种举动吓坏了了他周边的乘客,想一想,那时候有钱乘坐火车的可不是一般人,至少都是一些懂得良好教养的太太、绅士、他们看到特纳这样做当然会迷惑不解。其实,后来蒸汽火车的人或许有过相似的体验,随着飞速行驶,火车头冒出的蒸汽会住后吹来,变成细小的水滴洒落在乘客伸出的脸上或者手上,那对小孩子来说实在颇为有趣,对艺术家来说也是一样,只不过他不仅懂得如何感受,还懂得如何表达。特纳根据他的切身感受创作了这幅作品,火车穿过河面上方架起的一座大桥,一切具体形态都融进抽象化了的大气。作品中经常可以看到大片的空白,除了依稀可辩的笔触和机理之外,什么都没有。这更为观众留下了遐想的空间。特纳真正关心的是某种印象,耀眼夺目的阳光穿过谜团一样的雾气,声汽笛的鸣叫划破静谧的空间,我们似乎还能听到那空荡悠远的回音。阳光和着蒸汽,色彩和着声音,而这不仅仅是一种整体的感受和印象,还是光与色,与空气的交响。无疑,在,,世纪,这样抽象的油画作品是惊世骇俗的。 特纳的才华在于他能够准确地记录自然,特别是其中雄壮的场面。不过,他的成功大多要归因于他大胆而独特的体验。他的创新是如此令人信服,绝不是一两句“糊涂乱抹”的讽刺就可以抹煞掉的。在创作《雨、蒸汽和速度,开往西 部的铁路》前两年,他还画过一幅《暴风雪中的汽船》,也是他所在的汽船在海上碰到了暴风雪,当别人都惊惶失措地躲在船舱里,特纳却为了获得难得的亲身体验爬上汽船的桅杆让船员把自己牢牢绑在上面,随着船只一起在海里摆动,尽情接受暴风雪的冲洗和撞击。他在上面整整呆了四个小时,直到暴风雪逐渐平息下去。看着这幅作品,观众似乎也被卷进了夹杂着狂风与暴风雪的画面里,雾,海浪与船只几乎成为一体,没有人知道那船只究竟是什么样子,但我们却明确地感受到它在风流中飘摇颠簸的状况,那仿佛是一场人类与自然的搏斗,令人心潮激荡,与听到一首浪漫主义的音乐或者诗歌没有什么两样。 《干草车》 约翰.康斯太勃尔是与特纳同时代的画家,他们都擅长画风景。不过,康斯太勃尔追求的东西有所不同,他并不希望赶超前辈的大师,也没有想过用充满激情的笔触来表现风景,对他来说,最的事情只有自己眼睛所见到的真实。在一封给朋友的信中,他写道;“一个有绘画天赋的人有足够的天地,而当前画家的毛病就是胆大词库,企图画出超越真实的东西。”“真实”,这个历来画家特别关注的词语在康斯太勃尔这里再一次被强调了,我们不能说洛兰在画下壮阔的罗马风景时所怀有的幽思不真实,也不能说特纳在经历过新身体验后描绘的令人激动的场面不真实,那么,康斯太勃尔所指的“真实”又是什么呢, 《干草车》是康斯太勃尔(,,,,,,,,,)的一幅名作,看着它,读者似乎可以更直接地了解到画家的用意。当时的风景画家主要都是通过临摹前人的作品来学习作画,逐渐地例形成一些固定的程式和格套。比如画面的前景中最好有一棵姿态动人的大树,而且应该涂上棕色或金黄色的温暖色调,空间逐渐从画面中央起来,露出河流、远山。背景隐退为淡蓝的色彩。具体到怎么画云。怎么画树。怎么画人,都有现成的 方案 气瓶 现场处置方案 .pdf气瓶 现场处置方案 .doc见习基地管理方案.doc关于群访事件的化解方案建筑工地扬尘治理专项方案下载 ,就像现在电脑图库里的资料,需要的时候随时调出就是了。画出一幅风景,并不非得现实的景物,只要按照以上所说的格式来套,也就能画出个样子。可是康斯太勃尔想要做的是接到自然中写生,在对物体表面的细致观察中,领悟不同的机理和丰富的色彩效果,从而使作品具有一种格外清新活泼的气氛。 《干草车》描绘的是画家家乡的乡间风景,一片浅 水泽旁,坐落着典型的农村小屋和茂盛的大树。这座小屋是吉本农场上的威利.洛特小屋,至今犹在,它是激起康斯太勃尔创作这幅作品灵感的素材。小屋旁,一辆四轮马车涉水而过车上坐着的男子,看得出只是一位平凡的农夫。粗木制成的干草车上干裂的木轮和结节都清晰可见。远处是一片平原,明晰的天空飘浮着如棉絮般的白云,在正午阳光的照射下,水中泛起粼粼波光,树冠在阳光的照射下,色彩闪烁,格外丰富。他爱用明亮的白色点子来表现树叶上的闪光,被人们称为“康斯太勃尔的雪”。最引人注目的,当然还是天空中变化多端的云彩,它给人一种温度感。云层翻动着,有透明的和不透明的几层,蓝灰。银灰和微绿的厚云把树梢的轮廓勾勒得分外明确,彼此间的距离拉得相当渺远。水波民形容相映,命名河岸上树丛、灌木,马与人物等形象都沐浴在光影的氛围中。宁静的自然,水中的倒影轻轻的呼吸,一切都充满着生命,渗透着夏日的美。自然界的一切在他这里融成了一个整体,变成了画家风格的决定因素。画面上颜色的并置形成了和谐的对比关系。他借助于富有表现力的手法来表现他观察到的自然景物的杂乱,从而使希望达到的效果更加明显。 这只是一片普通的乡村风景,但在康斯太勃尔的笔下,却是如此真实而感人。只要我们沉浸在画中,就能感觉 到水泽边的阴凉,泥土的温暖气息。在英国诗歌里,诗人常以深厚的感情描绘大自然,康斯太勃尔在这里则是用画笔写诗,他那种点子很细的色彩笔触,做工优雅恬适的景物形象,正是诗的境界的再现。画家没有强加给自然任何它本不具有的东西,只是质朴,毫无造作地将观众面前。 《蒙特芳丹的回忆》 在大多数得到官方海龙常识的油画作品中,风景只是烘托浪漫、高贵气氛的一个实景。然而,,,世纪后期,出现了一位天真而具有胆识的画家,他就是让.巴蒂斯特.卡米耶.柯罗(,,,,,,,,,).正是他使得那些画中的风景不再是理想中发生过某些神迹的地点,而不亲切、可以感知的自然。他的画风几乎影响了之后的每一位风景画家。 柯罗的画中充满了闪耀的光线和空气,用色彩传达出阴影和阳光的柔和对比。《孟特芳丹的回忆》便是一个经常被提到的例子,画面以灰褐色为主调,描绘了清晨太阳刚刚升起的情景。画面的左边也有几个人在采摘着什么东西。 画面的中景是一条河,远景是一远山,山里云雾缭绕。在这里,柯罗把这些纯粹属于视觉性的自然景物,演绎成了一首牧歌式的抒情诗:银白的云彩,青翠的树阴,数点淡写的枝叶在空中摇曳。地面上一切植物的轮廓被打破了,充塞于天地间,而给予自然以一种统一的情调的,是前人所从没有在意过的大气。就这样,自然界变得无穷,变得不定,充满着神秘感。在他的画中,一切都在动,如琴弦所发出的声音,那么活泼,一半朦胧,一半清楚。在这里,他把气氛作为一幅画的主要基调,而把各种色彩归纳在美妙的合音中,在此,风景画带上了音乐的韵味,因为这气氛不独是编制一切的基调,同时还是调和其他色彩的一种中间色。我们可以再来比较一下前面提到的弗拉格纳尔的那张素描,同样也是有人物活动在近处的阴影里,而远方有空气和阳光,而柯罗不是只用单纯明暗关系的素描,而不用丰富的色调调和了它们之间的柔和层次,没有一个画家能像柯罗这样,将一种色彩与另一种色彩之间的过渡画得如此动人,微妙,就像他的为人,谦逊而不着痕迹,他似乎以一套新的手法捕捉到了景色中的闪烁的光线的发光的烟雾,在一片银灰色的基调中,色彩不仅没有隐退,反而显得愈发和谐。 柯罗的成功来源于对现实的深切体验和描绘,“我祈 求上帝给我一颗孩子般的心让我不带任何成见地观察大自然。”他的努力有点接近于英国的风景画家康斯太勃尔,二 人都希望极尽忠实没有任何程式化的痕迹。大风吹得树木呼呼倒向一边,天阴沉沉的,空气中仿佛还弥漫着扬起的沙子。然而,柯罗的画中并不只有现实。与其他的画家相比,柯罗的艺术气质是温和的,既没有弗里德里希风景中的平静、超然、也不像凡.高艺术的疯狂,但柯罗风景画中孕育的诗意却在威信一切风景画中独树一帜。柯罗早年有过一趟去意大利的旅行,沿途的所见所闻使他的风景画有明显的古典主义特征。构图平稳、手法严谨,对色度有很高的把握力。他的每幅风景写生都有着精心的构图和对色彩的设计,空间与色度之间的紧密关联有着数学般的推理和计算,对色彩,空间和光线的处理堪称古典主义风景的典范。如果说早期的旅行和写生使柯罗能很好地向自然学习,那么他成熟时期的作品则更多地具有想象力和主观情绪。“聪明人说得好,跟着人家的脚印走,人就是落在人后。寓真实于我们观察大自然时所得到的最初印象之中,就是艺术美之所在。假定某一景色使我激动,我一定在潜心表现它的时候,丝毫不放过使我激动的东西。”因此,观看柯罗的画,不论是大风的狂啸还是孟特芳丹的宁静,我们总能从中体会出某种幽深的意味,这意味如同扎根于现实世界的梦境,不仅感染读者,也一定深深打动过画家本人。 若想了解更多的名画赏析,可在百度文库搜索:世界名画赏析一、世界名画赏析二、世界名画赏析四。
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