早教音乐介绍及创作背景

早教音乐介绍及创作背景 早教音乐推荐 增强记忆力: 《回忆》——德尔德拉; 3:31 《儿时情景》——舒曼 2:28 童年情景 发展创造力: 《月光》——德布西; 5:34 《小星星变奏曲》——莫扎特 8:46 感知能力: 《春》——维瓦尔第; 6:01 《树声沙沙》——李斯特 4:05 -森林细语 培养思维能力: 《花之圆舞曲》——柴可夫斯基 6:47 《钟曲》——帕格尼尼 8:55 节奏感的认知能力: 《鸡雏的舞曲》——穆索尔斯基 1:21 《水上音乐》——哼德尔 3:29 促进身体协调能力: 《军刀舞曲》——哈恰图良 3:18 《小狗圆舞曲》——肖邦 3:44 增强幼儿听力: 《鳟鱼变奏曲》——舒伯特 2:08 《卡门序曲》——比才 2:22 增进表达能力: 《母亲教我的歌》——德沃夏克 2:06 《中国舞曲》——柴可夫斯基 1:20 提高实践能力 《惊鄂交响曲》——海顿 3:29 《钢琴奏鸣曲“热情”》——贝多芬 2:17 提高语言能力: 《秋日的私语》——理查德克莱德曼 3:19 《雨滴降D大调前奏》——肖邦 5:30 提高社交能力: 《幽默曲》——德沃夏克 4:25 《自然神的赞美》——贝多芬 2:57 提升情绪控制能力: 《天使小夜曲》——布加拉 4:50 《自然神的赞美》——贝多芬 2:57 提升行为控制能力: 《小步舞曲》——博凯里尼 3:53 《梦幻曲》——舒曼 2:48 提升审美能力: 《曼陀铃协奏曲》——威尔第 3:18 《可爱的笛子》——莫扎特 2:47 提高智力: 《音乐夜宴之跳舞曲》——罗西尼 3:25 《序曲》——柴可夫斯基 2:58 提升创新能力 《即兴曲》——舒伯特 5:31 《船歌》——柴可夫斯基 3:52 弗朗蒂切克•德尔德拉(Frantisek Drdla，1869.11.28~1944.9.3)，捷克斯洛伐克作曲家，小提琴家。生于捷克摩拉维亚的萨尔。早年曾在布拉格音乐学院学习小提琴和作曲，后入维也纳音乐学院深造，此间从师于布鲁克纳和克伦学习音乐理论和作曲。后定居维也纳，并在维也纳宫廷歌剧院担任乐队首席小提琴和指挥，并且频繁到欧洲各地演奏旅行。 他一生中写了许多小提琴曲、室内乐和轻歌剧等作品，其作曲风格融合了他的故乡波希米亚的民族旋律与当时浪漫主义音乐的性质，而这也是他所有作品的共同特征。他的多数小提琴曲都以旋律为重心，其中《回忆》、《A大调小夜曲》等脍炙人口的小提琴名曲为他的代表作。 此曲《回忆》又译作《纪念品》，作于1904年。一天，德尔德拉到维也纳郊区去访友，当他乘车路过舒伯特墓地的时候，回忆起这位伟大作曲家的生平，并产生崇敬之情。此时，一股乐思浮现在作曲家的脑海里，可是，他身上没有带纸，又怕忘掉这美丽的主题，于是，他把这主题记在小小的车票上，回到家后就立即完成了这首名曲。 乐曲为平静的行板，D大调、3/4拍子，用“ABA”的三部曲式写成。小提琴须装上弱音器演奏。乐曲的D大调分解和弦以三连音形式奏出，a音以泛音呈示，由极高难的小提琴技巧奏法开始，曲中散发着浓烈的乡愁情调。 乐曲开始时的主题旋律饱含深情，略带忧伤情绪，是平静的快板。每一句开始都采用主和弦三连音的分解和弦轻巧地向上一挑，引出美丽迷人的旋律，它像是对美好往事的回忆。 乐曲中段由D大调转至bB大调，由小提琴双音奏出悠长而充满梦幻色彩的主题，继续抒发回忆和怀旧的情感，略带些哀怨的情绪，并显得有些激动和不安。钢琴伴奏部分则以华丽的下行琶音与小提琴相呼应。在气氛高扬至顶点后，又以非常自然的过渡回到开头的主题旋律。在后半部分里，小提琴与钢琴伴奏作了几次对答，好似对生活提出的质疑。 经过一个短小的过渡句，又把乐曲引回到了第一段，它是A段的再现。最后三句用双音来演奏，全曲在飘忽渐慢的小提琴双音绵延之中结束，把人们又带回到当初那种充满沉思和朦胧的意境之中。 浪漫主义时期德国作曲家的音乐通常被人们誉为"诗的音乐,音乐的诗",这位伟大的作曲家就是舒曼。他十分注重用音乐来表现人物内在的情感,善于揭示人类精神世界,善于刻画人物丰富的心理活动,在他涉及的众多音乐题材中钢琴套曲尤其体现了他典型的独创性风格,《童年情景》即是其钢琴套曲创作中脍炙人口的一部经典杰作。钢琴套曲《童年情景》是舒曼于1838年2月是一部描写儿时情境的回忆录。其创作灵感来自于舒曼对恋人克拉拉的思念之情,由此而触发了他音乐创作的激情。 《童年情景》之梦幻曲 钢琴曲，完成于1838年，是舒曼所作十三首《童年情景》中的第七首。《童年情景》是作者于1838年创作的一组音乐小品的总题目，是钢琴艺术史上的一部极为独特的作品。虽然按内容来说是描写儿童生活的，但这部作品不只是为儿童所写，也是为成人所作，表现成年人对童年时光的回忆。作品手法洗炼，形象刻画生动准确，心理描写逼真，欢快动人，饶有情趣，但也流露出一种因为童年逝去而产生的惆怅感。 这其中的第七首《梦幻曲》是全世界妇孺皆知的名曲，经常被改编成各种乐器的独奏曲。这首曲子主题非常简洁，具有动人的抒情风格和芬芳的幻想色彩，旋律线几经跌宕起伏，婉转流连，使人不觉中被引入轻盈飘渺的 梦幻世界(片段1)。舒曼的钢琴套曲《童年情景》由十三首小品组成，这部套曲说起来知道的人不少，但熟悉全部内容的不会太多，一般人们只是熟悉其中的第七首《梦幻曲》。这是一首美丽温馨的小品，如同摇篮曲一般恬静安详，它的曲调在世界各国家喻户晓，即使不太关心音乐的人，听到《梦幻曲》也能随着哼唱，人们常说的脍炙人口，大约就是这个境界。《童年情景》之所以成为一部名曲，主要利益于《梦幻曲》的流行。 套曲《童年情景》是一部很私人化的作品，确切地说，是舒曼写给他热恋中的情人克拉拉.维克的情书。舒曼18岁从家乡茨维考到莱比锡大学法律系学习，同时，跟钢琴家弗里德利希.维克学钢琴，这时维克的女儿克拉拉只有9岁，父亲的精心培养下，钢琴已经弹得很出色了。两年以后，舒曼的母亲不再阻挠他学习音乐，舒曼全身心地投入音乐，他住到老师维克先生家里，专注于钢琴演奏。在维克先生家的日子是愉快的，维克对这位入室弟子视为己出，舒曼与克拉拉也结成兄妹般的友谊。他们在钢琴上弹四手联弹，做有趣的音乐游戏，一起读书、郊游，舒曼还给她讲离奇的故事。舒曼每写出新钢琴小品，就由克拉拉试奏。随着年龄的增长，克拉拉与舒曼之间的感情发生了微妙的变化，友谊变成了爱情，这时的克拉拉16岁，已经是颇具才华的青年钢琴家了。维克先生觉察到女儿的感情变化，不禁勃然大怒，他禁止女儿与舒曼有同学之外的任何感情，他要女儿成就为一位伟大的钢琴家，而感情游戏将毁掉一个人的远大前程。维克粗暴地干涉女儿的爱情还有一个说不出来的原因，舒曼此时已愚蠢地弄伤了手指，完全不可能成为演奏家了，不得已他开始走上创作道路，而作曲家显然是个很没有保障的职业，多少有才华的作曲家，甚至是公认的大师往往一生贫困潦倒，维克先生不能把自己的掌上明珠交给一个待成名的作曲家。这位固执的德国老头挖空心思拆散年轻的一对，他带着女儿离开莱比锡，不准他们会面，禁止他们通信，甚至不准克拉拉弹舒曼写的曲子，舒曼这时已经是一位小有名气的作曲家和音乐评论家了。有一次克拉拉在德累斯顿演出，舒曼偷偷跑去与她见了一面，维克知道后立即宣布，他们要是再敢见面，就要用手枪干掉舒曼。这件事在当时的音乐办几乎成了一桩丑闻，在经历过启蒙运动并呼喊着个性解放的欧洲，如此粗暴地干涉年轻人的爱情会被认为是极不道德的。维克带克拉拉到巴黎演出时，肖邦对此事表示了不满，维克的好友李斯特竟宣布与之绝交，抗议他的暴行，在莱比锡的门德尔松也向舒曼表示同情。 1837年到1838年，舒曼到维也纳居住了一段时间，他想在这座音乐名城感受一下维也纳乐派的文化氛围，但是在贝多芬、舒伯特去世之后，维也纳的音乐生活发生了很大变化，经典音乐传统遭到冷落，四处弥散的上兰纳和施特劳斯的圆舞曲，当局需要这类歌舞升平的音乐，当局也禁止言论，舒曼在维也纳出版《新音乐杂志》的 申请 关于撤销行政处分的申请关于工程延期监理费的申请报告关于减免管理费的申请关于减租申请书的范文关于解除警告处分的申请 没有获准。这时舒曼很久没有克拉拉的音讯了，克拉拉的情况他一无所知。一个偶然的机会，他得知克拉拉在演奏会上演奏了他的作品，这无异于发出一个信号，克拉拉还在等着他。希望重新燃起，回忆起与克拉拉生活在一起的快乐时光，舒曼便写下了几十首钢琴小品，这些小品像一幅音乐素描， 记录 混凝土 养护记录下载土方回填监理旁站记录免费下载集备记录下载集备记录下载集备记录下载 着舒曼最初与克拉拉相识时的生活片段，那里克拉拉还是只有9岁的小女孩。 根据舒曼自己的说明，他当时共写了30首小品，从中挑选13首，每首都加上标题，合成一集，取名《童年情景》。浏览一下套曲里13首小曲的标题，就知道音乐是描写儿童生活的，如《木马骑士》、《惊吓》、《捉迷藏》、《奇怪的传说》，等等，这些都 是普通儿童生活场景。但是，舒曼在描绘这些情景时，是有很具体的生活事件为根据的，作曲家不说，外人是无论如何无法猜测的，只有舒曼和克拉拉两人在弹起这些小品时才会在妙趣横生之处彼此送上会心的一笑。所以前面提到，这是一部私人化作品，舒曼把它寄给远方的克拉拉，提醒她不要把爱人遗忘。 有一些音乐赏析文章说《童年情景》充满了童稚之趣，这话自然不假，但接着说这是作曲家回忆童年生活的作品，就失之不察了。这部套曲大致描写的是克拉拉9岁到13岁之间的生活，是舒曼以兄长般的眼光对一个活泼可爱的小姑娘的观察印象。套曲里到处都是克拉拉的影子，套曲的第10首《过分认真》，是舒曼回想起克拉小时候整天淘气和傻笑，有时却忽然躲进墙角，故作深沉地扮出一副认真思索的样子。舒曼后来对成了他妻子的克拉拉说:“由于回忆起你的童年，我在维也纳写下了这部作品。” 《童年情景》的13首短曲从各个侧面描写儿童生活，有的是游戏场景，有的只描写一个神态，有的描写孩子的心理活动，合起来便构成了一个生动的儿童世界。生动的形象是整部套曲的主要特点，例如第9首《木马骑士》，用切分音和低音节拍模仿小孩子摇木马的“格登登”的节奏，既形象又生动，栩栩如生地勾勒出孩子骑在木马上前后摇摆的动态。又如《捉迷藏》，快速跳跃闪动的旋律刻画出孩子们最喜欢的游戏，心情地欢乐。全部作品里流行最广的当然要属《梦幻曲》，这首曲子常拿出来单独演奏，并改编成各种乐器的独奏与合奏，它的旋律非常简单，便于记忆，乐曲起伏回转，富于浪漫的幻想，有一种朦胧美妙的憧憬蕴含其中。 《童年情景》现在经常被当作儿童音乐作品介绍出来，而实际上它是为成人所写，为了在成年人心中唤醒童年的美好纯真感情，舒曼在乐曲里寄托了无尽的思慕与爱。 1.在音乐作品中，《月光》首先让人想到贝多芬的《月光奏鸣曲》(原题为《升C小调奏鸣曲》，作品27号之2)，然而这却是历史与他开的一个不大不小的玩笑。贝氏原作并无“月光”这一标题，但H(F(L(雷尔斯塔勃(1799~1860)因乐曲第一乐章而想到了卢塞恩湖上的月光，因为为之定名“月光”。德彪西的《月光》(clair de lune)原属《贝加莫组曲》(Suite Burgamasque)第三乐章，但作品实在太美了，以至人们常常将它单独抽出演奏，久而久之，便忘了其真正出处。 作为印象派音乐的鼻祖，德彪西的音乐作品可称是名副其实的“音画”。人们对王维的诗曾有过这样的评价:诗中有画，画中有诗。借用这一评价，德彪西的作品可以当之无愧地称“曲中有画，画中有曲”了。然而，要做到这一步又谈何容易:曲是流动的时空，画是凝固的瞬景。但大师毕竟是大师，他放弃了浪漫主义时期作曲家们以富有歌唱性的旋律作为其表现手法，转而汲取印象主义和象征主义绘画派的技巧，并将之实践于自己的作品中，以朦胧的、有多重指向的旋律让听者进行音—画重构。代表作中最典型地体现这一方式的便是《月光》。也正因为《月光》取得了如此伟大的成就，以至于直到今天，现代派的作曲家们仍未能写出，至少未能写出广为流传的描摹月光之作。 德彪西处理《月光》的方式无疑是特别的。.如果说“静”是贝多芬月光的最大特点 的话，那么“动”便是德彪西月光的精髓所在。在他的音乐里，月光如水般倾泄，缓缓流淌，充盈整个房间。德彪西的音符是有些离散的，打散了旋律。然而散而不乱，像是溢出的水银在地板或是台阶上走走停停。每一个音符，都给你充分的想象空间。 贝多芬的月光是月光下流淌的故事，那流畅的旋律将故事娓娓道来;而德彪西的月光就是月光本身，一夜倾城。 3.就以月为题的音乐而言，德彪西的《月光》和贝多芬的《月光奏鸣曲》比之“否定叙述逻辑”的《春江花月夜》似乎应该说都是“肯定叙述逻辑”。但是，同样是“肯定叙述逻辑”，德彪西的《月光》似乎还处于“六朝抒情小赋”的境界，而贝多芬的《月光》则已经是以“兴”为主要表现形态的“唐诗”、“宋词”。窃以为，贝多芬的《月光》比德彪西的《月光》似乎又要“超越”一些。明月之光》原是受象征派诗人魏尔伦(1844~1896)同名诗歌影响写成的。1884年德彪西赴意大利留学，其间游历了意大利北部的贝加摩地区，那里美丽的风光给他留下深刻印象。旅行归来，读到魏尔伦的《明月之光》，激发冲动，写成了《贝尔加玛斯克》组曲，其中第三首就叫《明月之光》，表达的就是贝加摩月色给他留下的印象，因其更具独立性常作为单独的曲目演奏。 乐章一开始的感觉就是，皓月清辉，远处的阿尔卑斯山积雪如银，整个天地剔透如水晶;夜空如黑色的天鹅绒般舒展着，稀疏地坠着钻石般的星星，月下的原野安详而舒坦，野风阵阵，树叶沙沙。德彪西充分发挥了音乐的创造能力，不仅能使人“看”到作曲家描绘的月夜美景，同时会和作曲家一起进入一种美好的沉思。奇怪的是，这不是月光带给人的那种忧伤感，而是“海上生明月，天涯共此时”的豁达，是“云破月来花弄影”的静寂美，甚至是“月到柳梢头，人约黄昏后”的甜蜜回忆。 两种月光，两种感情，这是作曲家当时的心境决定的。贝多芬表现他的哀伤，一开始用了长达四小节的缓慢引子导出悲剧性的主题，发展而成呻吟、呜咽了。表现为右手的旋律部分逐渐破碎几乎消失，只剩下三连音的伴奏音型均匀流动，仿佛就是内心那无言的伤痛。 绘画中有“亮色”之说，音乐中也有“亮音”。三度音程就有明亮的感觉。会使人想到那皎洁晶莹的月光。悠长的旋律线和平稳的节奏，再加上与色调柔和而明净的和声融合在一起，达到的就是一种清幽、静寂的效果。着便是德彪西的“月光” 和贝多芬的“月光”的不同之处。 生活中谁都不愿哀伤，但反映到艺术作品中它常常变成了一种美丽，这是一个奇怪的美学现象，更不用说显示生活中本来就很美好的事物了。 贝多芬和德彪西的“月光”同时被人喜爱就是这个道理。 莫扎特的小星星变奏曲K.265，是一首脍灸人口的名曲，原题为“ 啊～妈妈，我要告诉你(Ah,vousdirai-je,Maman)”的十二段变奏曲。 此曲是1778年初夏，莫扎特停留巴黎时，为一位女弟子而作的。音乐主题出自一首古老的欧洲民谣，有好几个国家用不同的语言歌唱过。在我们中国就有那首“ 一闪一闪亮晶晶，满天都是小星星”。这个主题的节奏与旋律单纯质朴，莫扎特为它配上十二段可爱又富有魅力的变奏，乐声一直自然而愉快的流淌着。耐心仔细的聆听小星星变奏曲，我们不难感受到莫扎特的真诚和单纯的爱，那种对爱情的赞美，那种初恋时的羞怯。虽然曲风没有贝多芬的激情、没有肖邦的柔美，但是，那种不唐突、不夸张的自然让我们的内心得到一种高贵的平静，当我们歌唱这首曲子的时候，我们只理解了活泼的那一段，却没有理解那段缓慢的、略含着一丝幽怨、却又是晶莹的似水晶的变奏，那时莫扎特的心在倾诉，倾诉他甜甜的苦恼，脸上泛起了红晕...... 全曲纯真，可爱，敏感。就像以一个小孩子的口气在说话。但是到了后部分却表现出了一些些哀伤，特别是最后的一个停顿，好像是嗓音哽咽住了。。。。个人感受。呵呵。我很感动 我想莫扎特在表达对妈妈无比依恋的感情。可惜他的妈妈去世的太早。 《四季》:是维瓦尔迪于1725年出版的作品，原为12首小提琴协奏曲中的第一首到第四首，由于各有春、夏、秋、冬四个标题，于是便组合起来称为“四季”。每一首都由三个乐章组成，采用快-慢-快的结构形式;最特别的是维瓦尔迪还写了四首十四行诗放在四首作品前与音乐作对照，描绘四季景致。维瓦尔迪把18世纪之前无标题的抽象器乐创作转到后来所谓的标题音乐创作上，为后世作曲家开辟了一个新的创作途径。《四季》的内容大致如下: 《春》:第一乐章，鸟儿们以欣喜的歌声迎接春天，春雷预告春天的消息;第二乐章，牧场上牧羊人在牧羊犬旁沉睡;第三乐章，仙女们在牧笛声中与牧羊人翩翩起舞。 维瓦尔第的《四季》春 音乐是有色彩的，春天的绿色、夏天的红色、秋天的黄色、冬天的白色，都可以用音符表现出来。最近听林昭亮与新加坡交响乐团合奏维瓦尔第的《四季》，仿佛看到作曲家在巨大的画幅上，绘出了四季的景象、春夏秋冬的壮美，不失为大地人间动人的杰作。 维瓦尔第的《四季》是写给小提琴的协奏曲，旋律优美，曲意清新，具有更强烈的形象感，浓郁的风格与巴洛克时期音乐的特质:华丽、复杂、藻饰、扭曲，着重于超现实和雄伟宏奇大有关系。 维瓦尔第是多产的作曲家，一生写有600多部作品，其中协奏曲占450多首，最著名也最受欢迎的是小提琴协奏曲《四季》。 维瓦尔第创作的小提琴协奏曲为三乐章形式，这种结构广为后世小提琴协奏曲作家所采用。从这个意义讲，维瓦尔第首创了小提琴协奏曲的体裁，对小提琴的技巧、配器以及协奏曲形式的发展起了决定性的作用。 《四季》作于1725年，距今有280年历史，却久演而不衰，由此可见此曲魅力之所在。 这四幅意趣盎然、诗情馥郁的音乐诗画，表达出维瓦尔第精湛的作曲技巧和对大自然的由衷热爱。也是从这部协奏曲开始，维瓦尔第把18世纪之前抽象概念的音乐，转移到后来所谓的标题音乐创作上，把音乐带进一种新的聆赏层次，为日后的作曲家开启了一股遵循的方向，包括贝多芬的《田园交响曲》在内，都可以看出受维瓦尔第创作方面的影响。 在《四季》作品里，维瓦尔第借着音乐刻划出大自然与四季不同的景象，其中运用了许多特别的技巧和构思，音乐所表现出来的，比实际生活所见到的还要丰富敏锐。在最早的乐谱中，《四季》的四首协奏曲各有一首14行诗，用以简单描述每一乐章的音乐内容。 数十年来，《四季》录音之多令人眩目，最具代表性和轰动一时的要数肯尼迪(Nigel Kennedy)。这位来自英国的著名小提琴家，被人称为“小提琴怪杰”，梳着庞克头，桀骜不驯，惊世骇俗的造型和作风引起不少议论。他所录制的《四季》创下超过200万张的销量，成为古典音乐史上最畅销的专辑，并因此被收入健力士世界纪录。 肯尼迪的演绎究竟孰好孰坏见仁见智，但不得不承认的是，他赋予了维瓦尔第这部传统巴洛克作品以全新的内涵，夸张的线条、犀利而强烈的音色、高超而华丽的技巧，甚至在演奏中加入了庞克风，都让其风格显得特别与众不同。 不可不提的是，乃肯尼迪让这部作品广泛流行起来，包括许多从来不听古典音乐的年轻人在内，都被肯尼迪的标新立异所吸引，而成为《四季》的“粉丝”。光从这点看，肯尼迪也算为九泉下的维瓦尔第做了点好事. 弗朗茨?李斯特Franz Liszt)，著名的匈牙利作曲家、钢琴家、指挥家，伟大的浪漫主义大师，是浪漫主义前期最杰出的代表人物之一。他生于匈牙利雷定，六岁起学钢琴，先后是多位钢琴名家的弟子。十六岁定居巴黎。李斯特将钢琴的技巧发展到了无与伦比的程度，极大地丰富了钢琴的表现力，在钢琴上创造了管弦乐的效果，他还首创了背谱演奏法，他也因此获得了“钢琴之王”的美称。 1?总是与女人的名字连在一起的李斯特，以“小提琴的魔鬼”帕格尼尼为目标，勤学苦练，最终登上了“钢琴之王”的宝座。天生的美貌加上优雅的风度，尤其令女听众着魔。李斯特一生经历过几次恋爱，最为轰动的是他和玛丽?达古伯爵夫人以及和卡罗琳?赛因?维特根斯坦公主的恋爱。而最为人们谈论的是李斯特决定与卡洛琳结婚的事情。李斯特，他爱上了卡洛琳，是沙皇时期声名显赫的德裔公爵维特根斯坦的夫人。这位夫人比李斯特小8岁。1847年，这一年，李斯特 36岁，到俄罗斯举办他的独奏音乐会，照例赢得掌声和女人的青睐，照例举办义演来捐助当地的慈善事业。在这次俄罗斯的义演中，居然有人花了贵宾席票价一百倍的一千卢布的价钱买了一张票。这消息让李斯特有些吃惊。这个人就是卡洛琳夫人。他们就这样认识了，李斯特对她一见钟情。为什么,就因为花了大价钱买了一张义演的门票,显然不会这样简单。而这位家中光奴隶就有三万的贵夫人，为什么宁可被沙皇开除国籍、剥夺一切财产，赴汤蹈火在所不惜，至死也要嫁给李斯特,李斯特和卡洛琳的爱情历经周折，一直耗到李斯特50岁生日时，本来已经被教皇允许和卡洛琳结婚了，却由于宗教和沙皇的原因还是没有结成婚。漫长等待中的煎熬，一直熬到了李斯特的晚年，一直熬到了1886年，李斯特75岁，他们还是没能结成婚。这样的煎熬，让李斯特皈依了宗教，将这一分蚀骨的痛苦在宗教中抚平、碾碎，却依然没有放弃卡洛琳。李斯特死后不到半年，卡洛琳也病逝罗马，和李斯特共赴生死。李斯特说过:“我所有的欢乐都得自她。我所有的痛苦也总能在她那儿找到慰藉。”“无论我做了什么有益的事，都必须归功于我 [2]如此热望能用妻子这个甜蜜名字称呼她的卡洛琳?维特根斯坦公爵夫人。” 2?李斯特一生中的第一个真正的挫折来自他的初恋。他很不幸地爱上了他的钢琴学生--一个贵 族的女儿，当时他俩都是十六岁。就在他们沉浸在幸福的憧憬之中时，那位贵族父亲粗暴地、干脆利落地终止了他们的交往。年轻的李斯特受到了毁灭性的打击:这位早已赫赫有名的音乐天才，从不认为自己有不及他人之处，而此时他却突然发现，自己不过是个贫民出身的艺人而已，那道无形的阶级鸿沟无情地将他关在了幸福的大门外。少年李斯特在剧烈痛苦之中，做出了他的决定:献身于宗教。因为只有在上帝面前，才能人人平等。他的母亲反对这个决定(父亲刚刚去世不久)，理由是他的性格不适合做一个神职人员。但是李斯特很坚决，一时间他放弃了钢琴，整日埋头于圣经，或是狂热地在教堂祈祷，他在音乐界的销声匿迹使得一些人以为他突然去世了，甚至一本正经地在报纸上发了讣告。转机是由几个朋友带来的，他们拖他去听音乐会，又带他去巴黎著名的艺术沙龙里听名人讲演，这些方法的确有效，慢慢地，他内心深处郁积的痛苦不再那么沉重了。4?1831年，肖邦从波兰流亡到巴黎。当时，李斯特已是名声沸扬的音乐家，而肖邦则只是个默默无闻的小人物。然而，李斯特对肖邦的才华深为赞赏。怎样才能使肖邦在观众面前赢得声誉呢?那时候，在演奏钢琴时，往往要把剧场的灯熄灭，一片黑暗，以便观众能够聚精会神地听演奏。李斯特坐在钢琴前面，当灯一熄灭，就悄悄地让肖邦过来代替自己演奏。观众被琴声征服了。演奏完毕，灯亮了，观众看到舞台上坐着肖邦，大为惊愕。人们既为出现了一颗灿烂的钢琴演奏新星而高兴，又对李斯特推荐艺术新秀的行为表示钦佩。 柴可夫斯基出生于沃特金斯克一个贵族家庭，在音乐创作上，柴可夫斯基很崇拜莫扎特，甚至模仿他的风格创作了一部管弦乐组曲(Suite No. 4 in G major, "Mozartiana", Op. 61)。 对于瓦格纳音乐中的一些特性他却很反感，认为瓦格纳过于重视管弦乐队而忽略了声乐，柴科夫斯基主张用现实主义手法来表现歌剧，主导动机只用以描写心理感情等内在方面 1868年开始，柴可夫斯基与俄国国民乐派的成员逐渐走得很近。1869年在巴拉基列夫建议之后，便写了有名的管弦乐序曲《罗蜜欧与茱丽叶幻想序曲》。但于此后，柴可夫斯基的作曲风格越来越偏向西欧风，而逐渐与强调民族素材及风格的国民乐派渐行渐远。 1893年，在首演第六号交响曲「悲怆」九天后，柴可夫斯基死于圣彼得堡街上的家中。有些音乐学家(如Milton Cross及David Ewen)认为，柴可夫斯基对于死亡早有觉悟，而第六号交响曲正是他写给自己的安魂曲。第一主题之后紧接着快速的弦乐变化旋律以及强而有力的和声，随后出现的常号旋律和前后的旋律都没有关连，此种突兀插入的乐段(non sequitur)，一般认为是俄罗斯天主教死者弥撒典型的曲式。 (8)花之圆舞曲 这是作曲家著名的圆舞曲之一。高雅清秀，富于诗意，旋律如歌，配器辉煌。此外，《雪花圆舞曲》中美妙清新的童声合唱、二幕双人舞开始的辉煌慢板音乐和《巧克力糖舞》等都很 出色 2. 欣赏提示: 4)花之圆舞曲:这段舞曲同随后的一段“双人舞曲”，成为整个婚礼喜庆演出的高潮;它的旋律丰富，情调优美，节奏明快，色彩鲜艳，可以称得上是整套舞剧组曲之冠。乐曲从竖 琴的技巧性华彩乐句(引子)开始，然后法国号便奏出圆舞曲的基本主题。这个主题在整个圆舞曲中占据优势地位，体现出这豪华而庄严的节庆场面的基本情绪，但是，在柴可夫斯基的整个美妙的旋律构想中，这个主题显然还只是第一阶段的体现，不过在它的陈述过程中也已经变得越来越悦耳动听了。在乐曲中段作者又为听者带来了更加宽广、旋律也更加迷人的新主题。最后，在这首圆舞曲的基本素材再现之后，音乐以一段小尾声作为结束。在这里， 基本主题获得了交响性的发展，具有更加活跃和更加热烈的节庆狂欢的特性。 芭蕾舞剧《胡桃夹子》内一首最著名的圆舞曲，它是如此辉煌、华丽又充满青春活力。一群如同鲜花一般活泼可爱的青年人在举行一场空前盛大的舞会。也是一首柴可夫斯基的天才之作。 我们不去分析这首大型圆舞曲复杂的三部曲式。就听几个极为著名的旋律形成的主题，它们反复地被用各种乐器演奏显出絢丽多彩的不同情调，给人很深的印象。 首先出现的是轻盈的引子，随即出现大段的如同行云流水般的竖琴演奏。 乐曲前部有一段含蓄而优雅的音乐似初涉舞池羞怯的少女。后来主要段落舞曲的演奏，圆号和管乐活泼可爱;弦乐齐奏潇洒大方。小提琴分解和弦的伴奏和管乐上下交替运行的琶音装饰形成难以言说的乐曲的华丽和丰满。 乐曲结尾气势磅礴，好像舞会中的人们群情激奋，更显乐曲不同凡响。 音乐知识 芭蕾舞剧《胡桃夹子》 柴可夫斯基的这个舞剧创作于1891-1892年间。取材于法国文学家大仲马改编的德国童话故事。在欢乐的圣诞夜，女孩克拉拉收到的礼物中有一只漂亮的粉碎核桃用的夹子。那一夜，老鼠们侵入她家，各种玩具奋起战斗，胡桃夹子变成一个英俊的王子。后来王子邀请克拉拉去童话王国玩耍，糖果仙子款待大家，百花仙子跳起《花之圆舞曲》。 舞剧中的《长笛舞曲》、《中国舞曲》、《俄罗斯舞曲》、《糖果仙人舞》和进行曲等也很有名。 这位大师用音乐成功地表现了充满幻想的美丽的童话世界。 《花之圆舞曲》是《胡桃夹子》中最优美的篇章乐段之一，你只要听听有多少人把它作为手机玲声就知道它受欢迎的程度了，我第一次听的时候是在04年的柏林夏季森林音乐会--柴可夫斯基之夜上，西蒙拉特指挥柏林爱乐演奏的，我个人也比较喜欢拉特指挥的这支曲子，我觉得拉特在某种程度上和小克有点神似之出，给你最强烈的第一感受永远是他们与众不同的个性，他们都是天生的舞者，轻灵飘逸。而拉特的两位前任卡拉杨和阿巴多以及巴伦博依姆相比之下，似乎就要严谨一些，他们指挥柏林爱乐演奏《花之圆舞曲》的版本我也都有，当然也都非常出色，可能因为第一次听到的就是拉特指挥的演奏吧，所以印象比较深刻。 对于芭蕾舞中的《花之圆舞曲》，我手头有英国皇家芭蕾舞团和基洛夫芭蕾舞团演出的版本，还有一个也是基洛夫演的现代舞版《胡桃夹子》，不过我印象最深的还是我唯一一次现场看的芭蕾舞《花之圆舞曲》，是07年中央芭蕾舞团的新年晚会，在我们北大百年讲堂演的，《花之圆舞曲》是作为单独的一段舞蹈来演出的，而且是“中国版”，不但是由中芭的演员来跳，而且编舞也是中国人，中国版《花之圆舞曲》并不仅仅表现百花争艳了，似乎被赋予了新的寓意，演员们穿的舞裙就象花瓶一样，而花瓶则作为中国陶瓷精美工艺的代表和象征 帕格尼尼的一生不仅充满传奇，几乎是空前绝后的小提琴技艺，更为之添上了不少神话色彩;他所写的无伴奏小提琴作品二十四首随想曲，当年更被认为除帕格尼尼以外，无人能够演奏。 帕格尼尼创作二十四首随想曲时还未够二十岁，当时他已名满欧陆。他在舞台上神乎其技的演奏，充满浪漫热情和强烈精力的音乐，结合他那副带著魔幻神秘，瘦骨嶙峋的面容，有如魔鬼般的台风，使他在任何一个城市的音乐会门票，往往在一瞬间便被抢购一空，一票难求。他所到之处，都轰动一时，形成了一股席卷欧陆的帕格尼尼的狂飙。 帕格尼尼一方面周游各地演奏，一方面又不断创作不少采用他自己发明的众多奇绝崭新技法在内，以炫耀技巧的作品，供自己在音乐会上演奏，使技惊四座的效果，因为不断有新的技法出现而保持。 帕格尼尼的出现，为小提琴这件乐器赋予了非凡的生命力，小提琴的演奏，脱胎换骨，散发出迷人的光彩，带来追求超绝技巧的潮流;各种乐器的演奏家，都被刺激去寻求技巧的突破方法，李斯特便因为年幼时被帕格尼尼的超技演奏吸引，而要致力成为「钢琴的帕格尼尼」，由此钢琴在日后才因为李斯特此一志愿的实现，而成为能发挥绚烂色彩，光芒四射的乐器。 帕格尼尼创作二十四首随想曲的灵感，便是因为他在内格罗的音乐图书馆中，第一次看到了平托?洛卡泰利(PIETRO LOCATELLE)的随想曲乐谱。洛卡泰利的二十四首随想曲写于1733年，但帕格尼尼所写的却完全很不一样，各段音乐创作，都有鲜明的音乐形象，其中有好几段尤为著名，因而被冠上不同的标题，如第六首《神秘》(MYSTICAL)、第九首《打猎》(THE HUNT)、第十一首《浪漫曲及塔兰台拉舞曲》(ROMANCE AND TARANTELLA)、第十三首《魔鬼的狞笑》、第十四首《进行曲》(MARCH)、第二十首《牧歌》(PASTORALLE)，第廿一首《小夜曲》(SERENADE)、第廿三首《军队》(MILITARY)。 帕格尼尼一生创作了大量作品，从事音乐评论的著名作曲家舒曼，便认为他是当时意大利最优秀的作曲家。然而，帕格尼尼却惧怕他自己的超绝技能会被人掌握得到，不仅坚持练琴时不让任何人在场，以增加其个人的神秘色彩，更只将很少作品出版，他的二十四首随想曲，亦是在面世三十年后，才以作品编号1出版，成为他在生时最早发表的作品;而此后直 至他逝世的九年间，合共才再出版了四个编号的音乐，包括作品2和3的小提琴与结他奏鸣曲，作品4和5的小提琴、中提琴及大提琴四重奏。 帕格尼尼的廿四首随想曲，给和他同时代的作曲家带来不少创作灵感，著名的如布拉姆斯、舒曼、李斯特，都曾将部份乐曲改编为钢琴曲，和配上钢琴伴奏。其中最为脍炙人口的十四首，采用主题加变走形式写成，该曲的主题便曾引发不少作曲家的灵感，布拉姆斯便借用该主题写成《帕格尼尼主题变奏曲》，拉赫曼尼洛夫则以之写成《帕格尼尼主题狂想曲》而李斯特则将第六首编为《帕格尼尼练习曲》的第一曲。 然而，对小提琴演奏家来说，这二十四首随想曲却是一个恶梦，当时的小提琴家都视之为畏途。该部作品中采用的二重泛音、双音奏法、左手拨奏、飞跃断奏等艰深技巧，甚至有魔鬼亦要退避三舍的说法。事实上，直到二十世纪的上半叶，虽然产生了不少伟大小提琴家，但却一直未有人公开演奏过帕格尼尼全部二十四首随想曲，更没有人敢将之全部录音～大师如克莱斯勒(FRITZ KREISLER)、海费兹(JASCHA HEIFETZ)、米尔斯坦(NATHAN MILSTEIN),奥尔斯泰克(DAVID OISTRATTI)，经常演奏的亦仅是其中的三、四首，只有法兰斯卡蒂(ZINO FRANCESCATTI)和年轻的曼纽轩(YEHUDI MENUHIN)经常演奏或录音的，会达到二十四首的半数。 但无论如何，帕格尼尼的二十四首随想曲，已被公认为小提琴家的试金石。这不仅是因为其中采用了大量高难度的演奏技巧，还因为作品中的丰富音乐内容，最能考验出演奏者对音乐的悟性。不少小提琴家只顾去克服演奏技巧的挑战，也就往往忽视了每首随想曲中所蕴含的丰富音乐内容，致使二十四首随想曲沦为练习曲，其实不可不知的是，帕格尼尼的魔力，便在于能够用技巧发掘出每首乐曲中的音乐美感。 帕格尼尼《b小调第二小提琴协奏曲》(《钟声》)是他的代表作，主要特点是演奏技巧精湛，尤其是首尾两个乐章遥相呼应，精彩迷人，无愧于它的标题《钟声》。作品1851年刚出版，李斯特就立即将它改编为同名钢琴练习曲。原作与改编曲双双传于后世，至今仍是音乐会上常见的曲目。他还创作有吉他曲200首，以及其他各种室内乐作品等。 帕格尼尼的天赋 帕格尼尼的演奏将小提琴的技巧发展到了无与伦比的地步，为小提琴演奏艺术的发展作出了不可磨灭的贡献。他不仅影响了后来的小提琴作品，也影响了后来的钢琴作品。他还将吉它的技巧运用于小提琴的演奏中，大大丰富了小提琴的表现力。由于技巧保密，他生前出 版作品极少，绝大部分系去世后出版。著名的音乐评论家勃拉兹称帕格尼尼是“操琴弓的魔术师”，歌德评价他“在琴弦上展现了火一样的灵魂”。 帕格尼尼的手是不可思议的，一般小提琴家必须在高把位才能用1、3指在两条弦上拉出八度音，但据说帕格尼尼可以用四根手指在四条弦拉出四个八度，这相当于在手掌弯曲状态下，食指和小指指尖要相距至少20公分以上。帕格尼尼的身材瘦长，拉琴时情绪激越，如痴如醉，如魔鬼附身，技巧十分精湛。在帕格尼尼五十八年的音乐生涯中，共创作了二十四首小提琴随想曲，包括《钟》、《狩猎》等名曲。 帕格尼尼的堕落 他才华横溢，风流倜傥，他一度挥金如土，赌博成性，与妓女鬼混。那双拉琴的手，那双抓住音乐翅膀的手，一只伸进了肮脏的赌场，一只伸进了狐臭飘香的妓女幔帐。他把金质的音符当作了筹码，输掉了不仅是自己的尊严，还有人格。他把生命最精彩的部分，输给了龌龊的温床和淫荡的女人，他的肉体和灵魂被女人掌握和玩弄，他把才气和傲骨输了个净光。 脱掉音乐的盛装，帕格尼尼背上了桎梏一样的债务，他被饥饿、疾病困扰着，最后不得不将心爱的小提琴变卖度日。他的小提琴要比托查的杰西命运还惨。有人说，帕格尼尼的双手和灵魂，被撒旦掌握了。在帕格尼尼辉煌的时期，人们聆听他的演奏时这样说:“才华横溢的大师你拉错几个音符吧，那样我们觉得你还像人类。” 荻达的灵魂拯救 但帕格尼尼还算是幸运的，当他堕落到穷困潦倒的时候，一个善良的贵妇人，像天使一样降临到他的身边。这个贵妇人叫荻达。荻达清楚地知道，拯救帕格尼尼的生命和灵魂，必须从他的双手开始。因为帕格尼尼的堕落是双手开始的。首先，荻达将帕格尼尼接到乡村自己的一个别墅，对他开始了三年的精心调养:生活上的多滋味调养，心灵上的仁爱抚慰，还有音乐上的指导辅助。荻达手把手地教会了帕格尼尼吉它演奏指法，使他学会了用手指拔出与长笛相似的泛音和双音。帕格尼尼重新找到了手感和乐感，并创造出了小提琴演奏新技法。《狩猎》是帕格尼尼二十四首小提琴随想曲第九曲的别名，其中一段双音，像是狩猎号角声，就是从荻达那里学来的。 尼科罗?帕格尼尼纪念照(10张) 手指的灵性恢复，取决于一位善良的女人之手的把握;而心灵的复苏，缘于荻达心中爱的呵护。帕格尼尼的音乐再生，是荻达用爱心拯救复活的。在乡村别墅静养的三年中，帕格尼尼学会了珍爱自己和他酷爱的音乐。在荻达的调养下，他重新回到了自己的家乡热那亚，并在卢卡重新举办了小提琴音乐会。 艰难的下葬 帕格尼尼的琴声有股魔力。人们在他琴声中能忘记正在流行的霍乱，依然人山人海地来捧场。一名盲人听他的琴声，以为是乐队演奏，当得知台上只有他一人时，大喝一声“他是魔鬼～”随即仓皇逃走。这声“魔鬼”似乎成了谶语。 帕格尼尼58岁时因肺结核口喷鲜血而亡，当丧钟敲响时，忽然又戛然而止。他生活的小城每个人都明白这意味着什么。他去世几个小时前，一个传言正在城里扩散。 谣言散播者是一位神父，这个无聊的家伙在帕格尼尼奄奄一息时，盘问他琴里藏着什么秘密。帕格尼尼只好忽悠他一下，“里面藏着魔鬼～”然后挣扎着去拿小提琴。神父逃出来以后匆忙向主教 报告 软件系统测试报告下载sgs报告如何下载关于路面塌陷情况报告535n,sgs报告怎么下载竣工报告下载 ，谣言立刻传遍全城。谣传帕格尼尼那根能诱发出天籁之声的琴弦，是由他杀害的情人的肠子做成——正是这根弦缠住他的脖子，将他慢慢绞死。 主教听后下令停止丧钟，全城的气氛显得诡异紧张。小城没人能忍受一个魔鬼同盟者，甚至不允许为他举行一场葬礼。朋友只得给他的尸体注射防腐剂并带回家藏起来。尸体停放两个月后，宗教当局仍不同意下葬，于是朋友便把遗体公开展示以期唤醒舆论，但人们避之唯恐不急。 他的遗体辗转于各个港口，都不准其上岸，最后在无人的小岛上摆放了四年，后被偷运到家乡藏起来。大约三十多年后，他儿子再次和教会交涉，宗教当局回答说，除非能提供死者坦白悔罪的证明，否则不能撤销禁令～而所谓悔罪的证明是什么呢,把由魔鬼帮助赚的钱全部还给教会。儿子屈服了活生生的勒索，支付了150万马克。在一个静悄悄的夜晚，大师终于入土为安。 欣赏《未孵化的鸟雏的舞蹈》 1、 初听，感受形象 在来听一首，你又在乐曲中看到了什么, (大多数同学认为是“老鼠偷油”，也感受了其幽默、风趣、诙谐的旋律特点) (自由讨论，大胆想象，各抒己见) 2、 介绍 《未孵化的鸟雏的舞蹈》是俄罗斯作曲家穆索尔斯基于1874年所作的钢琴组曲《图画展览会》中的第五首。你能从音乐中感受这未孵化的鸟雏的舞蹈画面吗,(再听) 3、 交流 你脑海中这样的一幅画面是怎样形成的,是从乐曲中的哪个方面表达的, 4、 创编 现在啊，傲视希望同学们能画出乐曲的形象，也可以创作一个故事，发挥你的想象力，为这段音乐创造一个更为神气、广阔的天地。当然，要抓住音乐的发展变化。也可以和你的伙伴们一起合作完成。(穆捷斯特?彼得洛维奇?穆索尔斯基(Mussorgsky Modest Petrovich，1839~1881)，俄国作曲家。1839年3月21日生于托罗别茨县卡列沃村。他主张音乐必须反映现实，表现人民的精神面貌。其作品具有民族性和独创性。1863年返回圣彼得堡，进一步受到了以H(r(车尔尼雪夫斯基为代表的俄国革命民主主义思想的影响，经历了深刻的思想转变，形成了进步的世界观与艺术观。他的民主思想倾向和现实主义的创作原则，充分体现在他的作品中。他一生中具有代表性的作品均产生在这个时期。1881年3月28日卒于圣彼得堡。 格奥尔格?弗里德里希?亨德尔(德语:Georg Friedrich Händel，1685年2月23日,1759 年4月14日)，巴洛克音乐的作曲家，出生于德国，后来定居并入籍英国，他的名字亦按英语的习惯改为乔治?弗里德里克?亨德尔(George Frideric Handel)。 亨德尔出生在德国中部的哈雷镇。与他伟大的同龄人巴赫不同的是，他的家庭并没有多少音乐气息:父亲是一个理发师兼外科医生，认为音乐是卑贱的职业(的确，在当时的保护人 制度 关于办公室下班关闭电源制度矿山事故隐患举报和奖励制度制度下载人事管理制度doc盘点制度下载 下，音乐家只能算是有技艺的仆人)。但天生喜爱音乐的小亨德尔不顾父亲的反对，偷偷的练习弹古钢琴(难以想象，后来在键盘乐器演奏领域可与巴赫匹敌的亨德尔，竟是这样接受他的启蒙教育的～)亨德尔就是在这样充满矛盾的逆境中度过了他的童年。 后来，当地的萨克森?魏森斯菲尔大公偶然发现了小亨德尔练琴并深深为他的毅力和天分所感动，于是出面说服了老亨德尔同意他天才的儿子认真的学音乐。此后的几年中，亨德尔随作曲家、风琴演奏家查豪学习了键盘乐器和作曲，也学会了演奏双簧管和小提琴。凭著过人的天资和名师的指教，小亨德尔进步的很快。 1697年老亨德尔去世时，念念不忘要让儿子作一个律师而不要去搞什么音乐。亨德尔并没有因此放弃他的艺术追求。1702年，他先进入哈雷大学学习法律，算是不违父命，同时又在当地的教堂里担任兼职管风琴师，兼为教堂谱写每个礼拜天的弥撒曲，更是在1702年发表了两出歌剧， 十八岁是成家立业的年龄，1703年，亨德尔正式开始了他的音乐生涯，只身远行到汉堡在歌剧院里当了一个小提琴手(巴赫也是在这一年开始了管风琴师的职业)。亨德尔的才华不久就引起了一些艺术赞助人的注意，他们中有些人打算拿出钱来供年轻的亨德尔去意大利学习歌剧和作曲(当然不是无偿的，学成后要回来为他们服务)。抱负远大的亨德尔婉言谢绝了这些赞助:他要凭自己的努力挣足学费去留学，不能把自己的前途卖给别人。 1705年，亨德尔创作的歌剧《阿尔米拉》的上演获得了成功，使他得以踏上留学的旅程。在当时意大利是全欧洲歌剧艺术的圣地。亨德尔越过阿尔卑斯山，在那不勒斯、罗马、佛罗仑萨和威尼斯等地学习了三年，同斯卡拉蒂和科雷利等大师都有交往，把意大利的歌剧艺术学到了手。 学成归国的亨德尔在德国处处受到欢迎。1710年，这个25岁的年轻人就任汉诺威选帝侯的宫廷乐长。他并没有满足于这个不错的差事，而是把眼光放到了海外。当时的英国比德国富裕得多，歌剧艺术在那里也更受欢迎。但自从普赛尔1695年逝世后，英国的歌剧艺术就止步不前，需要新鲜的血液。亨德尔看准了这个机遇，就向主人请了一年的假，渡海去了英国，此后几年亨德尔就往返于英德之间。他的到来给沉闷的英国歌剧界带来了一股清风，在伦敦他的歌剧《里纳尔多》大获成功，1713年他以一首《女王生日颂歌》博得了安妮女王的赏识，于是亨德尔索性就不回汉诺威了。 命运捉弄了这位开了小差的宫廷乐长:1714年没有子女的安妮女王驾崩，亨德尔的“老 导”汉诺威选帝侯乔治以英王亲戚的身份继承了英国王位，亨德尔恐怕要遭殃了。可他镇定自若，以一部精心创作的《水上音乐》欢迎了新国王乔治。国王对乐曲的华贵典雅赞叹不已，问这是何人所作。当得知作者是老部下亨德尔时，不仅原谅了他的旧过，还当即增加了他的年薪。 1712年，在汉诺威选帝侯的宫廷里担任乐长之职的亨德尔，再次向宫廷请假去英国。宫廷批准了他的请求，但要他及时回来。亨德尔到伦敦后，取得了英国宫廷作曲家的职位，于是常住英国，久久没有返回汉诺威。1714年，汉诺威选帝侯继承了英国的王位，称乔治第一，他对亨德尔的迟迟不归一直心存芥蒂。据说，第二年乔治第一乘御船巡行泰晤士河时，亨德尔为他写了《水上音乐》，才重新博得了他的欢心。 其实，亨德尔的《水上音乐》，是1717年才完成的，那时乔治第一对亨德尔的不快早已烟消云散。据布兰登堡公爵驻英国的使节彭内特的记述，亨德尔的《水上音乐》是为1717年乔治第一从兰贝斯到舍尔西(均为伦敦泰晤士河沿岸地名)的水上巡行而作的。基尔曼西格男爵精心安排了这次巡行，舳舻迤逦，侍从如云，极宴乐之盛。一只游船上安置着五十人的乐队，包括小号、猎号(即圆号)、双簧管、大管、德国长笛、法国长笛(鸟嘴笛)和弦乐器，但没有歌者。亨德尔为这次巡行特别创作的《水上音乐》，包含二十个曲子，演奏一遍要一小时。亨德尔的音乐大为乔治第一所赏识，他命令在晚餐前和晚餐后各演奏一遍。当时碧波万顷，管弦齐作，其独特意境可想而知。 阿拉姆?伊里奇?哈恰图良 (Aram Ilitch Khatchaturian，1903年6月6日,1978年5月1日)，苏联作曲家，指挥家。亚美尼亚族人，亚美尼亚苏维埃社会主义共和国国歌的作者。以《钢琴协助曲》和芭蕾舞曲《加雅涅》(1942)而知名，流行的节奏活泼的《马刀舞曲》即出自该剧。 马刀舞曲(Sabre Dance)是哈恰图良的舞剧《加雅涅》中的一支舞曲，作于,,,,年，是描写库尔特族出征前的一种战斗舞曲。 马刀舞曲是管弦乐曲。是1939年米高扬建议，为亚美尼亚艺术季而创作的，原名为《Schastye》，是“幸福”的意思。这部舞剧的胚胎后改编成这部《Gayaneh》，把剧情改写成描写亚美亚边境集体农庄工作的年轻姑娘加雅涅的故事。值得一提的是，舞剧的故事情节前后曾做过几次大的改动。为作曲家所作芭蕾舞剧《Gayaneh》第1幕第2场的舞曲，当阿尔缅恢复视力后，Gayaneh投入他的怀抱，村民们为他们祝福时的群舞音乐。值得一提的是，1957年，作者曾对舞剧的音乐和情节作了大幅度的修改，只有少数群舞性质的舞曲被保留下来，本曲即其中之一。后改编为手风琴曲、钢琴曲、小提琴曲和木琴曲等，其中木琴曲显得异常生猛。 此剧1942年12月9日由苏联著名的舞蹈家阿妮西莫娃(Nina Anisimova)主演首演。1957年5月，在莫斯科首演时，由裴雷特妮娃重撰 脚本，配乐也增至50多首。《马刀舞曲》选自芭蕾舞剧《加雅涅》。故事是这样的:高加索山村中勇敢的库尔特族猎人阿尔缅和少女加雅涅相爱，阿尔缅的好友盖奥尔格与少女阿霞相爱。一次，活泼的阿霞抢走了阿尔缅预备送给加雅涅的鲜花，并与阿尔缅共舞。偶然目睹了这一情景的盖奥尔格对阿尔缅发生了误解，当阿尔缅上山打猎，不慎从断崖摔下时，盖奥尔格竟视而不救。阿尔缅受伤后双目失明，他不愿为加雅涅带来不幸，便克制自己的情感，拒绝了加雅涅的爱情。后来，阿尔缅幸运地重见光明，并且原谅了深感悔恨、当众承认错误的盖奥尔格，并与加雅涅结为幸福的伴侣。《马刀舞曲》是其中当阿尔缅恢复视力后，村民们为他祝福时的群舞音乐。你们知道:居住在高山上的库尔特族人民有出征时跳战斗性舞蹈的习俗。听～欢呼声，多么的英武剽悍、豪爽奔放啊～ 降D大调圆舞曲(“小狗”)(作品64之1)作品64号共有三首圆舞曲，是肖邦在世时最后发表的圆舞曲。其中第三首(降D大调，即本曲)为肖邦圆舞曲中最著名的一首，俗称为《小狗圆舞曲》。 传说肖邦的情人乔治?桑喂养着一条小狗，这条小狗有追逐自己尾巴团团转的“兴趣”。肖邦依照乔治?桑的要求，把“小狗打转”的情景表现在音乐上，作成了这首乐曲。乐曲以快速度进行，在很短的瞬间终了，因此又被称为《瞬间圆舞曲》或《一分钟圆舞曲》。演奏本曲时，应使用平滑流畅的指尖技巧，才能感觉出此曲的趣味来。 全曲为简单的三段体。在四小节序奏后，主旋律以反复回转的形态出现，其速度之快令人目不暇接，中段则是甜美而徐缓的旋律，与第一段的急促形成鲜明的对立;第三段为第一段之反复。 《小狗圆舞曲》是肖邦在世时发表的最后三首圆舞曲之一。据说这首曲子的创作源于乔治桑夫人偶然的一句话。乔治桑夫人养的一条小狗喜欢围着自己的尾巴打转，样子十分可爱。一次，乔治桑夫人对肖邦说:“如果我有你的才能，我一定为这只狗写一首曲子。”于是诞生了《小狗圆舞曲》。 《小狗圆舞曲》很短，差不多只有一分多钟。但是，听着这些从肖邦手底下流淌出来的音符，再阴郁的情绪也会散开。它是那么活泼，无忧无虑，这些跳跃的音符组成的曲子在眼前呈现出一条欢快极了的小狗，围着自己的尾巴团团打转，似乎这是天底下最快乐的事情了——是啊，有什么愁事值得用快乐来交换,一只狗就是这样想的。 这曲子基本是快板，中间有一段节奏稍微舒缓一些，我愿意把这段节奏稍微舒缓的音符想象成小狗在跟它的主人甜蜜，而乔治桑夫人则对小狗说:“喂，小家伙，我们是不是该谢谢我们的音乐家,世界上有谁能把你和你那条快乐的尾巴变 成音符呢,从此一只狗的快乐也会在音符中不朽了。”音乐家衷心的笑了，他也为她和它感到的快乐而快乐。 这就是肖邦和乔治桑。一只小狗的快乐在别人那里会很轻易地滑过去，谁没见过快乐的狗呢,但在肖邦和乔治桑那里，快乐被音符留住了——因为她的一句话——一个天才的提议——因为他的音符——一种天才的表达。他们俩都抓住了对方，也抓住了这快乐时光。所以这世界多了一首《小狗圆舞曲》。 弗里德里克?弗朗索瓦?肖邦(F.F.Chopin 1810?1849) 波兰作曲家、钢琴家，肖邦1810年3月1日生于华沙近郊，父亲是法国人，侨居华沙任中学法文教员，母亲是波兰人。肖邦从小就表现出非凡的艺术天赋，六岁开始学习音乐，7岁时就创作了波兰舞曲，8岁登台演出，不足20岁已出名。。他是历史上最具影响力和最受欢迎的钢琴作曲家之一，是波兰音乐史上最重要的人物之一，是欧洲19世纪浪漫主义音乐的代表人物。肖邦一生的创作大多是钢琴曲，被誉为“钢琴诗人”。 爱祖国高于一切。 把我的心脏带回祖国( ?祖国，我永远忠于你，为你献身，用我的琴声永远为你歌唱和战斗。 一着手写时，总觉得是好的。只是经过斟酌方可决定取舍。时间是最好的检验，而耐心是最优秀的教师。肖邦一生处于民族危亡时期，强烈的爱国主义思想成为他创作的主旋律。而为表达自己思念祖国、怀念故土之情，他的作品又深深植根于波兰民族、民间音乐的沃壤之中 在十九世纪初的音乐名城维也纳，继海顿、莫扎特、贝多芬等伟大音乐家之后，又出现了一颗灿烂的音乐新星作曲家弗朗茨?舒伯特。 奥地利作曲家舒伯特于1797年1月31日出生在维也纳贫困的小学校长家庭。他从小学习钢琴和小提琴，十一岁被帝国小教堂唱诗班录取，并住进神学院，成为该校乐队小提琴手，同时还担任指挥，这使他有机会接触维也纳古典乐派一些著名作曲家的名作，他1813年为该乐队创作了《第一交响曲》。1813年因变声离开神学院，舒伯特为了减轻家庭负担，到父亲所在的学校里担任助理教师，同时继续创作。 1814年10月19日为歌德的诗《纺车旁的格丽卿》谱曲，舒伯特的这第一部歌曲杰作，打开了他创作灵感的闸门。仅1815年一年，舒伯特就写了144首歌曲，其中10月的一天就写了8首歌曲。除歌曲外，他还创作了1部交响曲，2部弥撒曲和其它作品。1816年，他辞去教师的职务，专心从事作曲。由于没有固定收入，生活比较贫困，在他的一些作品里也常常反映出苦闷和压抑的情绪，尽管这样，他还是满怀热情地创作了大量的歌颂民族解放斗争的优秀作品。长期的困苦生活，使舒伯特身心受到极大的摧残，1828年11月19日，年仅三十一岁的舒伯特在维也纳溘然长逝，他被 安葬在他生前一直相当崇拜却只见过几次面的贝多芬墓旁。为作曲而生的人 世人最喜爱的音乐，正是我以最大痛苦写成的。——舒伯特 弗朗茨?舒伯特(1张) 当我写下“舒伯特”这个名字的时候，一切都很安静，就像他的一生。然而作曲家的心却永远不曾停下过，他用31个年头，留给世人1000多个作品。 很小，舒伯特就开始与音乐接触了。在与父兄演习四重奏时，父亲时有误奏，每每被其发现，他常对父亲说:“您奏错了呢～” 十二岁，他入住天主教会的宏威克特(Konvict)学校。在校五年，他开始了广泛的音乐学习。在对音乐有了一定了解之后，他开始了作曲。然而，同学们常可听到他的无奈:“如果我有钱买五线谱，就可以天天作曲了。”16岁时，他创作了《第一交响曲》。 离开音乐学校后，他就在父亲任校长的学校，当上了一名普通的教师，同时进行创作。他经常抱着诗人的集子，沉静其中。有时正上着课，忽然有了灵感，就转身对台下的学生说:“我们现在改上音乐课吧～”说完，他就对着黑板，开始作曲，完成后就教大家演唱。 18岁时，他陆续写成了第二、第三交响曲，还有144首艺术歌曲。现在我们常听到的《魔王》，《野玫瑰》，《永恒的爱》，皆是当时的作品。 三年后，在父亲的极力反对下，他离校做起了自由音乐家。其间，他和朋友索贝尔住在一个狭小的屋子里，继续创作。在冬天，没有足够的衣服够他俩用，当索贝尔外出时，他就躲在屋子里作曲。 晚上，他常常是戴着眼镜入梦。早上醒来，就趴在五线谱上，连穿衣洗脸都顾不上。他自己没有钢琴，有时须要借助朋友的来创作。一次，当他乐思骤起，兴奋地跑到朋友家，可发现钢琴前已有人在弹奏，就只好默默地离开了。回到家，就像索贝尔所说的，他躲在被子里，发出婴儿般的抽泣。 他的生活状况一直很糟，本可 通过教授音乐课，获得不错的收益。可他只对作曲感兴趣，其他的所谓“工作”对他而言毫无意义。这样他便只能靠微薄的版税生活。他又厌恶创作中的商业因素，长久以来坚持自己的创作理念，出版商往往以不畅销为由，只出版他的一些仅供娱乐的轻音乐。 他有很多志趣相投的朋友，舒伯特常常拿出自己的作品和大家一起欣赏。感于他的创作速度，一位朋友问他，你是如何作曲的。他回答道:“我是每天作曲的。一曲完成，下一曲开始。” 舒伯特很小就崇拜贝多芬，可在同一个城市，贝多芬直到临死前才看到他的曲谱，猛然惊叹:“这里面有神圣的闪光～”并立即托人找来舒伯特，当时贝多芬已病入膏肓，他振作着握起舒伯特的手说:“我的灵魂属于你～” 不久，贝多芬就于世长辞了。舒伯特拿了火炬为贝多芬送殡。失去了知音，让他陷入长久的悲痛之中。一年零八个月后，他也溘然离世。弥留之际，他嘱咐亲友:“请将我葬在贝多芬的身旁。”遵照他的遗愿，他的哥哥特地买了块墓地，把他安葬在贝多芬墓旁。 墓碑上刻着他的朋友格里尔帕策为他题写的墓志铭:“这里埋葬着音乐的瑰宝，也埋葬着更多美好的希望。” 奥地利作曲家舒伯特在他短短的一生中，曾经创作完成了许多室内乐作品。舒伯特的室内乐中，被认为艺术成就最高的是钢琴五重奏，而这首《鳟鱼》五重奏(OP(114号)，则是他所有的室内乐作品中最著名、最受人喜爱的一首。这部作品旋律优美，充满明朗靓丽的光泽，洋溢着生命的无限活力，令聆听者难以忘怀。 由于作品的第四乐章是根据舒伯特创作的歌曲《鳟鱼》的主题而写成的变奏曲，所以这部作品被世人称为《鳟鱼》五重奏。《鳟鱼》五重奏写于 1819年，当时舒伯特仅仅22岁。 《鳟鱼五重奏》 1819年夏天，舒伯特与著名的男中音歌唱家福格尔去奥地利北部阿尔卑斯山区的施泰尔小镇演出。福格尔的年龄已可作为舒伯特的父辈，当时享有很高的名望。但他非常欣赏还默默无闻的青年舒伯特的作品，并且不停地在各种场合演唱和介绍舒伯特的作品。两人演出时钢琴伴奏常常是年轻的舒伯特亲自担任。 停留在施泰尔期间，舒伯特应当地矿业经理、大提琴手潘加纳的委托，用他的歌曲《鳟鱼》的主题，创作一首室内乐。舒伯特常常徜徉徘徊在阿尔卑斯山区林木葱茏的山野之间，优美的景色，清新的空气，爽朗的夏日时光，为舒伯特带来了满怀的青春欢乐。这些快乐的回忆，化作新颖明丽婉转的乐思，出现在这部无比美好的钢琴五重奏中。作为抒情诗人，肖邦更多的是情感，舒伯特更多的是情趣。 歌剧《卡门》是比才最脍炙人口的作品之一。《卡门》的剧本源自法国文学家梅里美的同名小说。故事描写军官唐霍塞爱上了吉普赛女郎卡门，卡门又结识了斗牛士埃斯卡米罗。唐霍塞的妒忌和干涉使得卡门非常恼火，卡门允诺埃斯卡米罗斗牛获胜后嫁给他。斗牛场上，埃斯卡米罗胜利在望，唐霍塞突然拔刀刺死卡门，酿成悲剧。这部作品无论在现实主义的深度上，在戏剧性表情的力量上，或是在真正的民主精神上都堪称杰作。 《卡门序曲》是歌剧开始时的一首明朗而辉煌的管弦乐曲。《卡门序曲》也常作为交响音乐会的开场曲目而倍受爱乐者的青睐。 《卡门序曲》用回旋曲式(ABACA)写成，主部(A)先后出现了三次，主部之间是两个插部B和C)乐曲的主部是一首节日进行曲，主题来自歌剧第四幕斗牛士进场时的合唱旋律，曲调欢腾而热烈，音乐把人们带到了西班牙斗牛场的喧闹狂热的气氛之中。堕入情网的斗牛士埃斯卡米罗和卡门来到斗牛士场上，兴高采烈的观众为他们欢呼喝彩。 第一插部的主题来自妇女儿童们在斗牛场上活泼地跳跃欢唱的曲调。虽然情绪依然热烈，但音乐渗透着妇女们的细腻感情和孩子们的天真稚拙，第一插部从不同的侧面刻划了斗牛场的热烈氛围。 节日进行曲第二次出现后，是由弦乐主奏的第二插部、著名的„斗牛士之歌”。曲调抒情而又威武雄壮，充满了内在的动力，与主部的音乐形成了鲜明的对比。这个旋律来自歌剧第二幕中斗牛士和崇拜者们在酒店里的对唱。 斗牛士之歌”第二次出现时，铜管乐器演奏着坚定、强大而雄浑的进行～山节奏背景，音乐充满了骄傲和豪爽的阳刚之美，闪耀着男性的火光般的色泽，带有胜利者的英雄性气概。 主部的节日进行曲第三次出现，鼓钱齐鸣，音乐推向辉煌灿烂的顶点而结束。 在歌剧中，<<卡门序曲>>是由低沉、悲剧性色彩的卡门动机结束，而在音乐会演奏时，这一个部分通常均作省略处理。 乔治?比才(GeorgesBizet,1838,1875)，法国作曲家，生于巴黎，世界上演率最高的歌剧《卡门》的作者。九岁起即入巴黎音乐学院学习作曲。后到罗马进修三年。1863年写成第一部歌剧《采珍珠者》。1870年新婚不久参加国民自卫军，后终生在塞纳河畔的布基伐尔从事写作。在音乐中他把鲜明的民族色彩，富有表现力的描绘生活冲突的交响发展，以及法国的喜歌剧传统的表现手法熔于一炉，创造了十九世纪法国歌剧的最高成就。其它作品还有歌剧《采珍珠者》、《唐普罗科皮奥》. 在此期间乔治?比才探索各种作曲方法，尝试不同音乐形式，谱写交响序曲、干唱剧、钢琴曲等，为歌剧创作作准备。回国后，他于1863年完成第一部歌剧《采珍珠者》(LesPecheursdeperles)，而后推出《帕思丽珠》，但两部歌剧并没有得到太大的回响。继之创作了《嘉米蕾》，虽然还是没有成功，但已经找到自己的风格。不久他为都德的话剧《阿莱城的姑娘》配乐，大获好评。1870年，比才新婚不久便参加了国民自卫军。退役后在塞纳河畔的布日瓦勒(Bougival)从事写作。1873年初，比才开始歌剧《卡门》的写作，《卡门》取材于梅里美的同名小说，1875年3月3日在巴黎喜歌剧院首演，惨遭失败。当代人对他的作品中“大胆的现实主义和赤裸的情感感到震惊和受到冒犯”，指责这是一部“淫秽的作品”，“音乐不知所云”。据说他曾为此整夜痛苦地在巴黎的街道上徘徊。但《卡门》却受到了同时代的圣桑、柴科夫斯基以及后辈德彪西的赞扬，前面两位预言“十年之后，将成为世界上最受欢迎的一部歌剧”。然而，比才未能等到这一天，仅三个月后的1875年6月3日， 他即因抑郁在布日瓦勒逝世，年仅37岁。五年之后，《卡门》再度在巴黎上演，获得了极大轰动。 安东?利奥波德?德沃夏克(捷克语:Antonín Leopold Dvo?ák，1841年9月8日,1904年5月1日)，生于布拉格(时属奥匈帝国，现属捷克)拉霍奇夫斯，早年入布拉格音乐学校，毕业后进行音乐创作，1890年受聘布拉格音乐学院教授;在此期间他受到祖国民族复兴、发展民族文化的思潮的影响，接触了西欧古典乐派、浪漫乐派的作品;1892—1895年春应邀在美国纽约音乐学院教学并任院长，回国任布拉格音乐学院院长，1904年去世;他是十九世纪世界重要的作曲家之一，捷克民族乐派的主要代表人物;主要作品有第9“自新大陆”交响曲、大提琴协奏曲等。《母亲教我的歌》作于1880年。由捷克著名作曲家安东宁?德沃夏克创作。原作为一首歌曲，是作者所作的包括八首歌曲在内的歌曲集《吉普赛之歌》中的第四曲。本曲后来被改编为小提琴、大提琴等乐器的独奏曲以及管弦乐曲、合唱曲等形式。 《母亲教我的歌》 - 歌曲简介 《母亲教我的歌》融入淡淡哀愁的旋律，将德沃夏克那种斯拉夫人的伤感情怀毫无保留的倾泻出来，任凭你铁石心肠也会为之动容。48位小提琴组成的重弦乐合奏，绵密的群感，特别厚实饱满的音色，都会令人不由自主地联想到成片舞动的丝绒。我想曾经听过曼托凡尼乐团演奏的人，都可以找回那种叫人喜极而泣的“弦海”特质，并在心中激起最大的共鸣。曲调朴实无华，亲切动人，在简练的音乐语言中充满了怀念的愁思，感人 [1]肺腑。表现出母亲心灵的颤动。 《母亲教我的歌》 - 作者简介 安东宁?德沃夏克(Dvorak,A.)1841年生于波希米亚的内拉霍齐夫斯;1904年逝于布拉格。他是乡村屠夫之子，自幼在父亲肉店里帮工，这时已显示出演奏小提琴的才华。14岁时被送兹洛尼采的亲戚家学习德语，同时随利赫曼学习中提琴、管风琴、钢琴和对位。1873年，以康塔塔《赞美诗》取得第一次重大成功，使他得以放弃乐队工作而专心写作。1874年，《降E大调交响曲》获奥地利国家奖，评委中有勃拉姆斯参加。两年后又以几首摩拉维亚二重奏获奥地利国家奖，德沃夏克的声望日益增长，人们纷纷请他写新作品。1901年任布拉格音乐学院院长。晚年将精力投入交响乐和歌剧创作，1904年于布拉格去世，享年63岁。