林延：与纸的随意及宽容性对话

林延：与纸的随意及宽容性对话2021年4月，台北诚品画廊推出旅美华人艺术家林延的个人画展，30多件作品年代从1996至今横跨20多年，呈现出艺术家将宣纸转化为艺术媒介的实验历程。首次在台湾举办个展，林延认为台湾是一个熟悉纸传统、不熟悉我的作品、既保留传统又具有开放自由的环境的地方，她希望观众能根据自己的生活体验感受作品。林延1961年出生于北京的艺术世家，外祖父庞熏琹和外祖母丘堤都是国内现代艺术的先驱人物，父母林岗、庞涛分别为国内第一代留学俄罗斯及高等美术教育出身的艺术家。林延从小便耳儒目染了亲人的艺术精神，并建立起与其他亲人截然不同的艺术语汇。中央美术学院油画系毕业后，林延于1985年前往巴黎国立高等美术学院绘画材料研究室进修，后于宾州布鲁斯堡大学视觉艺术系取得硕士学位。在家乡处于社会动荡的期间，旅居纽约的林延得以享受创作的自由，专注于自身的媒材探索和实验。作为家族的第三代画家，林延继承了外公和母亲对形式有感于设计的偏爱，也继承了父亲浑厚的绘画感觉及对色彩的深刻理解，她那些模糊了抽象与具象、装置于绘画界限的独特语言，代表了今天年轻画家跳脱出现实空间的超凡想象力。北京现代化之前的传统建筑，简朴的灰砖、瓦房是林延成长的背景，也是她的主要记忆，并不断地出现在她的作品中。对林延来说，每次创作都是和纸的随意及宽容性对话的过程。她运用脆弱的材料来表达坚韧的情感。如在《致北京》（1996～1997）、《胡同》（2012）等作品中，纸作为某种记忆底片凝结了创作者对于家乡、文化、历史的情感，细腻的肌理层次传达出艺术家感觉的真实。1989年的首次个展《绘画中的太极》，林延已将中国哲学融入其创作之中，她的作品充满东方哲学的概念，如阴阳、太极、对立与统一的道家思想。她用中国传统书画的宣纸创作，以最简单的黑白将宣纸塑形，简洁安静地表达自然和文化中的挣扎与生命力、美与创伤。1994年至2021年是林延的黑色时期，这段时期的作品强调黑色的幽微层次。她认为：“掌握好单色的层次、材质变化、冷暖差别时，画面才会有色彩感，不会单调。”1998年，林延与母亲和外婆在纽约、温哥华、北京举办了“三代红果现代主义——丘堤、庞涛、林延”画展，表现出中国二十世纪现代艺术作品的感染力，作品在中国美术馆“世纪——女性特展”中获艺术家批评家奖。2021年开始，林延将宣纸转为媒材，创造出具有建筑性格的绘画雕塑，拓展了当代艺术的审美领域。她改变了纸墨的传统角色，皱、破、撕、贴成为她的创作语汇，而“墨分五色”的传统则因空间的光影元素有了新的表现方式。林延认为，当所有因素微妙地兼容并蓄时，便会互相交响、发出能量。“手上的每一个变化如同笔触，是作品叙说的方式。”林延如此描述作品中纸的独特触觉和感性。2021年，家乡环境污染的问题又触动她创作了大型装置《天》，以争取正常呼吸的权利，倾诉对美好生活的渴求。林延的艺术成果受到广泛关注，曾于世界各大美术馆展出，包括纽约、中国国家美术馆，北京、德累斯顿国家艺术收藏馆，德国、成都当代美术馆、何香凝美术馆等，作品曾于纽约时报、艺术新闻、美国艺术、亚太艺术、中央电视台等发表。《纽约时报》评论林延的作品：“它不是纽约环境中一般的后极简的样子，而是以多种风格元素让历史、过去和现在融为一体，展览真正的对话存在于这种对话中。”色彩、材料与表达方式，体现了心灵的独特性一次偶然的机会，笔者有幸采访了这位旅美艺术家。问：你的作品在美国包括西方已有藏家支持，你认为他们收藏的理由是什么？你不同时期的作品各有什么特点？林延：我还没有固定的藏家，谁喜欢谁就买，他们收藏的理由是喜欢吧。八十年代我重视绘画和展示空间的关系，开始将绘画变成空间中的一个物体，把自己喜欢的太极理念融入到绘画中。九十年代宣扬从被拆的老房子中找到北京现代化建设的基因，同时体验墨与各种材料建设中的黑在作品中的色彩关系。1994年，离开祖国九年后，我回来看到的是现代化开始时大兴土木建设中的破坏性，因此在北京做了表面极简含蓄、实际很暴力的立体作品《弃，契，弃》，呐喊我们正在彻底抛弃的老城是北京的文化，是我们自己现代建设最重要的生命源泉。1997年又创作了《致北京#4#5》，那是我回到纽约情绪平和一些后展现的更多怀念的作品。这些作品中，我对不同黑色的掌握和对墙面空白的利用都受到了国画的影响。有了孩子以后，作品更多体现女性生活的角色与人本身发展的冲突，画面切入到三维作品中。九十年代中期，我更关注中国文化自尊的危机，感性的东西与极简主义形式的运用，完善了自己作品中阴阳关系的跨界处理，在各种矛盾中找到了平衡。问：你一直是做装置艺术的，从厚重的门框、铁器到砖瓦、宣纸，材料的运用独具匠心，这是不是也蕴涵了中西文化的符号，比如宣纸、墨等是中国文化的象征，而钢板、砖石等是西方文化的表现？林延：是的，绘画艺术除了怎么画以外，材料选择、外框形式、布展方式对我来说是作品的一部分，要考虑这些形式是否符合表达的内容，处理好了，整个展览能混为一体，发出统一的交响。我的装置往往根据展览现场的空间创作回应实际空间，并与之互动。2021年，我特别同韦佳在香港的画展创作了《共处》和《呼·吸》作品，以一种建筑干预表现现代化及其对自然影响的主题。材料有自己的身份和社会共识的特性。2021年后我只用各类宣纸皮纸为作品主要媒介，有时加墨，把宣纸、墨这两种有着中国深远文化意义的传统绘画材料带到当代艺术形式中，对审美发展有新的意义。这个材料本身的历史价值、文化底蕴和表现力及其运用的哲学基础，已超出了只能用来画画或书法的局限，在当代艺术发展中，它扮演新角色的潜能有待开拓。第一个装置《共处》回应了香港迷恋建筑的固有文化，为了增加楼底高度，很多室内空间不安装正式天花，任由纵横交错的电线、水管、通风管道外露，就算是亮丽的玻璃幕墙建筑内部也透着工业味道。同时，在作品中隐藏与暴露的这些工业元素，把电线管道裹于层层宣纸之中，重置这些常受忽略的物件，使之成为美学元素。问：有分析说你在“用黑与白的色调抒写着对童年老北京的记忆，定居纽约后，在艺术观念上已经把西方张扬的色彩转变成了黑与白，模糊了身份和界限”。你是不是始终在作品中探寻中西文化之间的差异或关联呢？林延：对，我是那种打太极的人，是在黑处找亮、在虚中找实的人。我喜欢色彩，黑和白也有很多变化，关系找对了也有色彩感。视觉语言是国际语言，人人都能欣赏，当你关心人的处境、环境时，谁都会接受你。人是脆弱的，最有价值的是我们每一个人心灵的独特性，当我们保护和尊重心灵时，才能在冷酷的 制度 关于办公室下班关闭电源制度矿山事故隐患举报和奖励制度制度下载人事管理制度doc盘点制度下载 下体会到温暖与力量，建立起与不同文化背景的人交流的基础。问：你是学油画出身的，但到美国后一直在做装置，这是怎样的转化过程？这个转化是更符合个性，还是顺应了当代艺术的表现手段？林延：其实除了画油画外，我一直对建筑、设计有兴趣。尽管八十年代初中国这方面信息不多，但外公的故事和设计理念对我更有吸引。我当时也考上了中央工艺美术学院，但外公建议我上中央美术学院本科打好基础以后，再到工艺美术学院读研究生，但是我后来去法国了。1980年我已开始画抽象画，在美国读研究生时，我终于可以自由结合我所学的本事，而且第一次看到这么好的展览空间。虽未受过传统水墨画的训练，但总是为纸墨的表现力而着迷，而且把纸墨看成是自己的个人物料。从身边事物与生活经验取材，以纸墨为私人表达方式，创造以装置艺术为基础的作品，这些作品有生命气息，借宣纸现场装置反思历史自然与现代化。《呼·吸》就与自然有关。1990年，看着家乡北京重建成现代都市，我开始创作一系列作品，《呼·吸》是这系列的延续。我认为重建的新都市并没有尊重北京的文化历史，也没有充分考虑对自然环境的影响。近年来，现代化步伐从不间断，为北京带来严重污染。《呼·吸》提出人类应该选择与自然共存的方法，这件作品放在画廊入口，参观者一进入展览会场，就能看见头上悬着一团饱吸浓厚水墨的黑色物体。我把一幅皱破的豹子水墨画缝缀其中，这影像提醒我们保护自然，我们的行动与周遭世界密不可分。我认为中国纸墨自有其文化活力及历史，借助其在作品中固有的力量，我不断发现自身状况，缓和现实的躁动不安和变幻莫测，传达美、力量、希望、韧力，纵使当中透着对逝去事物的怀念、挣扎与湮灭。问：你的大部分作品中有脱离女性阴柔的大气和厚实，色彩的运用也相当直接和简明，这种风格源于什么？你认为一个女性艺术家创作中的性别体现重要吗？林延：这种风格与我父亲的影响分不开，从小我父亲就不希望我总照镜子追求表面的美，要我注重内在的力量，在学习绘画的过程中也一样。他总说：“有一句话就说一句话，没话就别说，自己有感而发才能感动别人。”这样，观众往往能一下感受到作品，不用先去看说明，简练的语言能给观众提供更大空间去感受，观众各种不同的感受使我的作品更完整。因此，作品中的性别体现我没太注意，我喜欢刚中有柔、柔中有刚。困惑、期待、迷惑，升华了内心的自由空间问：赴美后，你作为一个职业女画家的困惑是什么？林延：可以说，我是在王府井长大的，在那附近上小学、中学，又上了大学，出远门对我来说最大的挑战是学习独立生活。生活上遇到困难和烦恼时，我就靠做艺术缓解，我只有这一个办法，所以我不记得艺术道路上有什么困惑，因为我一直是以苦为乐的状态。别人或许看我们的物质生活挺清贫，但我并不在意，不管作品是否能售出，我始终留有精力和时间在工作室里，没把画画的行为当成创业的过程。问：你认为自己对艺术的迷恋源于什么？林延：从小在画家家庭长大，那时不论生活多困难、玩具再少，画画的各种笔纸、大小图画本总是有的。画画成为我最自然最方便的消磨时间的娱乐活动，随时随地画两笔，喜欢的事物、人物画出来就有满足感了。去趟动物园回来画几张，看场电影回来画几张要是让我把故事情节叙述一遍，一般三句两句就没得说了，但满脑子都是电影里的镜头、画面、色彩等。我想我从小形成的思维方式是视觉的难以言表的方式，绘画是我有感而发的渠道，可以使我交流表达得比较准确。对世界的认识我也是通过形象感悟。认识新人时，我要靠语言交流就很慢，如果能看到他的作品，就可以得到关于这个人很深入的信息。因此，画画是我观察周围、体验生活所做的直觉反应，是我生活不可缺少的一部分。对于我来讲，通过绘画这种艺术形式交流和表达，往往比说比写更直接、更贴切。艺术创作迫使我不断地面对自己，挖掘最人性的部分，所以从事绘画对我来说是必然的，不是事业的选择或单纯因为爱好。问：你把头发剪成男式，生活中也极具个性，是崇尚标新立异吗？林延：在纽约标新立异可不是把头发剪成男式或女式就能做到的，做自己就行了。如果每天都做自己想象出来的事，必然不习惯现成的条条框框，模仿别人更没意思。不管在哪里，内心自由的空间是我力求保住的，以艺术的形式做黑白颠倒、将不可能变为可能、否定变为肯定，我希望我的我的作品给大家的生活加点新鲜感。问：你先生是你的同学同行，儿子从小学习国际象棋，已经在美国拿了很多青少年比赛的奖项，可以谈谈你的生活状态吗？林延：我有一个小家，我家旁边有布鲁克林的大公园，我特别喜欢那里，会天天去，有时候我们家门口这条街还要封起来开大Party。我对儿子的教育基本是放羊式的，他要画画，有纸笔伺候；要学功夫，就送他去纽约少林；要下棋，给他请俄国的老师；什么都不学，我也没强求。他很体谅我们，很小的时候他看我挺操心的，就为我买了本如何做好家长的书。他在生活中总给我们带来惊喜，我也总想为他多做些事，他还在成长过程中，将来做什么我也很期待。我和先生的关系是从中央美术学院同学就开始的，走南闯北这么多年，现在还有当年那种感觉。不在江湖、无风无浪的后院2021年夏，林延、韦佳两位艺术家首次共同在香港举行画展《后院——林延、韦佳作品展》。两人艺术发展之途迥异，最终钟情于同一物料——传统中国宣纸，两位艺术家各以独特方法赋予这种历史悠久物料以现代意义。林延的现场装置艺术体现了转化与革新，而韦佳采用注重过程的拼贴方法，完成的作品叫人惊叹，二人作品风格截然不同，却又散发着共同的神采──种超越物料的情感。林延以工作室地上的手造纸模、纽约市的鹅卵石、北京的屋顶瓦创作较小型的作品，这些作品与韦佳的画作构成一个可触可感的环境，同时也是他们的传记式叙述。以韦佳的破碎书法作品为背景，林延所铸的一幅旧北京城墙把我们的视线引向天花，对面是林延工作室地板上的金属铆钉，从层层纤柔的宣纸中突出，林延的纸塑树皮纹理粗糙，旁边是韦佳的书法，用色含蓄朴实这一切都叫人想起在布鲁克林围绕他俩的自然环境。传统中国美术的物质文化不断演进，林延与韦佳为传统宣纸带来了新意。从这次展览可看到二人并没有为传统所困，传统只是他们众多特质的一部分，而众多特质构成了两人的艺术及个人身份。他们在中国成长，到国外接受教育，游走世界各地，处身于日益全球化的艺术空间，难能可贵的是他们保持着简单朴实、不徐不疾的生活。韦佳每天早上会展望公园，林延每天走在回工作室的路上，从看到的建筑物细微特点中汲取灵感，他们以毫不费力、不着痕迹的态度，把日常生活经验注入到作品中，使作品独特迷人。韦佳沉静的作品充满禅意，林延的作品非常个人，却同时具社会意识。后院，是家边的展望公园，每天在自然中感受常见常新的变化，在自然中获得启迪和灵感。后院，是我们对待生活、对待艺术的态度，不在江湖，无风无浪，这里，过平静充实的生活，做自己热爱的事情。