[指南]色彩教案

[ 指南 验证指南下载验证指南下载验证指南下载星度指南下载审查指南PDF ]色彩 教案 中职数学基础模块教案 下载北师大版¥1.2次方程的根与系数的关系的教案关于坚持的教案初中数学教案下载电子教案下载 科目: 色 彩 班级: 大09美术(2)班 教师: 2009 至 2010 学年度第 1 学期 江西省南昌师范高等专科学校 第一部分、色彩基础理论与色彩临摹实践(8课时) 一、教学目的 介绍色彩的基础理论，了解色彩这个重要画种的发展。掌握色彩的材料和功用。理解色彩在艺术和社会领域中的地位与意义等等。使学生透彻的理解本门课程的具体含义，为接下来的色彩静物实践训练作理论指导。 二、教学重点与难点 1、介绍色彩的基础理论。 2、掌握色彩的材料和功用。 3、原色、补色、视觉色彩的概念掌握。 三、教学方法 讲授、画稿示范、巡回辅导、作品赏析。 四、教学 内容 财务内部控制制度的内容财务内部控制制度的内容人员招聘与配置的内容项目成本控制的内容消防安全演练内容 与过程 (一)色彩发展的各个时期 第一时期:原发性色彩时期——原始时期 简单直观、概念、物质性的色彩观，是通过对色彩的使用建立起来的，其决定因素:一是对色彩的认识程度;另一个是当时社会发展，所能得到的颜色和使用颜色的方式。 绘画的基本功能是巫术，并不是装饰。 第二时期:色彩的自觉性时期——文艺复兴时期 绘画的装饰功能成为主要目的，固有色和明暗法结合。 对自然的仔细观察和忠实再现，是理解自然规律的必要条件。认识到光源色、环境色、互补色、运用不同明度、纯度的色彩来塑造形体、表现空间。 第三时期:色彩的自由性时期——现代艺术时期 牛顿(白光是由七色光构成，第一个关于色彩关系的色环) 哈里斯(三原色) 勒布伦(三间色) 歌德(物体的阴影是光源色的补色) 龙格(色彩球，第一个立体的色彩模型，第一次从三维角度说明色彩的明度、纯度和色相的关系) 蒙塞尔(色立体，不规则的三维树) 人们不再满足再现客观，而进一步要求表达主观感情，各种色彩表现手法都得到自由地使用，以达到情感的宣泄。 脱离了外光的刺激，人就不可能产生色感。色彩的基础是客观物理现象，推动色彩观发展的首要原因是物理学的发展。 色彩是人的一种感觉，是人的生理基础。它作用于感觉器官引起生理反应(视网膜感光细胞)可参考《艺术与视知觉》一书 色彩更进一步作用于大脑，引起心理反应。 光谱疗法——环境设计 (二)在艺术中，色彩的最终目标是触发情感。 一、感觉、感情、想象 色彩首先作用于感觉，然后触发情感、激励想象。在所有色彩活动中，色彩的视知觉是基础。人天生具有感知色彩的机能，但敏锐的色彩感觉不是天生就有的，是需要后天培养和训练的。 来自人类进化初期的原始时期就发展的本能的色彩情感，是全部人类色彩情感的基础和核心。艺术的目的是表现情感，而表现情感最直接有力的手段就是情感色彩。 色彩的想象是现代色彩的时代倾向。想象力是形象思维的高级阶段，是连接思维和感觉的桥梁。艺术的想象更是感觉和情感的升华。 二、由对象到本体 色彩靠它自身的独立价值打动人，这就是纯粹色彩的力量。 代表人物:康定斯基，是要将色彩的力量从形体中彻底解放出来，将色彩作为绘画的本体独立出来。 现代艺术色彩的主要倾向:从对象到本体 三、 回到平面 由于立体错觉的取消，回到平面就是回到绘画本身，通过画面的本身，画面的形式，画面的构图，画面的色彩来产生意义，回到平面和回到本体是相互联系的一个整体。 四、 客观与主观的认识 艺术家的使命是发掘自己的主观色彩，创造出来没有人体验过的独特的色彩体验。客观对象的独立性离不开主观表现的个体性，主观表现的个体性存在于艺术认识的层次性，高层次性的艺术要求艺术家的观念建立。观念的建立有赖于对事物主、客观的认识。 五、 形式与内容 色彩形式可以不再现内容，但是不能没有形式。没有形式就是没有艺术，而形式平庸、色彩形式平庸的艺术也是没有价值的。 六、 具象、抽象、表现 具象艺术:与物体的结合，指向客观现实 抽象艺术:强调色彩作为形式单独存在，不明确指向主体或是客体。 表现性艺术:发泄感情的手段，指向内心世界。 七、 艺术的个人行为 艺术需要个性。色彩的个性也是在文艺复兴之后得到发展。色彩的现代性特征就是艺术家以其鲜明的个性色彩取代了色彩的民族地域特性。 在当今商业社会的冲击和经济利益的诱惑下，不是做一个平庸的社会容易接受的艺术家，而是开拓创新的给人类带来新观念、新体验的先锋，这才是现代艺术的价值。 八、 清楚地认识绘画是视觉艺术 视觉艺术是指美术(绘画)是通过视觉感官接受形象刺激的艺术形式。色彩是视觉艺术的基本元素，对一件艺术品的影响力是决定性的。 (三)色彩临摹实践 几种色彩画习作的形式 色彩练习的方法，除了解色彩原理而绘制色彩图例习作外，主要是通过以写生为主的练习来达到学习的目的。如果在写生练习的过程中，结合一些色彩速写练习、临摹一些名作，或凭记忆、想像作些色彩画，则可促使色彩学习更全面、更迅速。 1、写生。写生是根据眼前的具体对象作画的方式。写生有室内写生与室外写生之别。室内写生以静物、人像为主;室外主要是以风景为主。依教学的顺序，应先进行室内写生练习，然后再进行室外写生练习。因为室内组成的写生对象， 可以根据学员不同的程度和教学的要求来摆设，且主 题 快递公司问题件快递公司问题件货款处理关于圆的周长面积重点题型关于解方程组的题及答案关于南海问题 明确、内容单纯、光线稳定，便于学习基本技法，并为进入室外较复杂条件下进行写生练习做好准备。室内写生作业的画幅大小、时间长短，都要根据具体对象与学习要求来决定。一幅题材不太复杂的4开写生习作，一般需要6至10小时;内容较简单的习作，可以用8开或6开纸，用3至4小时来完成;内容较复杂的静物，可以用对开纸，约需20小时左右才可以完成。这样的作业统称为长期作业，要求有严格的构图、色彩有变化统一的效果，并能运用各种技法具体生动地描绘对象，画面有整体效果。还有一种写生作业，耗时较短，表现对象比较简单扼要，或只重点描绘对象某些特征，这称作短期作业。写生的过程，就是观察、感受、理解、研究、反复探索表现对象的过程。所以完成一幅习作，有可能取得某些成功，也有可能存在某些弊病甚至遭到失败。这是很正常的，因为绘画能力的提高，常常是从失败中接受教训而获得的。因此要重视完成习作后的总结。写生是绘画基础训练中比较重要的课题，没有这个基础，要想进行速写、临摹、记忆、想像画等其他方式的作业练习，就会碰到比较大的困难。当然，其他方式的练习，也会促进写生能力的提高。 2、色彩速写。这种练习可以提高学生对色彩的感受力。也就是对色彩的直观反应能力。这一点，还没有被较多的初学者所认识和重视。其实，这与素描学习中强调画生活速写，来发展瞬间记录对象形体动态的能力，道理是一样的。从素描造型转入色彩造型的初期，总是习惯于看对象的明暗关系，把对象画成色彩单调的固有色素描。要改变这种认识色彩的错误习惯，采用色彩速写这一作业形式是行之有效的。因为它着重于训练提高学生在瞬间记录对客观对象色彩感受的能力。色彩速写的时间要短，几分钟至十几分钟即可;画幅要小，16开左右就行了，数量要多，着重将对象不同时间、光线、气候、季节、环境的色彩调子区别出来，可不拘泥于对形体的具体刻画(彩图2、3、4)。 3、临摹。这是学习绘画的主要途径。人们以为学习传统的中国画，应从临摹入手，学西洋画如油画、水彩等画种，则须从写生入门。而实际上，不论学习什么画，在整个学习过程中都包含着临摹的内容。临摹的目的，是为了研究了解大师或优秀美术作品的风格，学习其表现方法和艺术技巧，从中吸取营养，提高对美术作品的审美能力。如结合写生进行，可配合写生的内容、进度来选定合适的临摹作品。临摹前，对作品要先进行一些了解、分析，千万不要一知半解地照葫芦画瓢。过多的临摹或对质量很差的作品临摹，甚至会产生完全相反的作用，所以要十分注意。另外，也可用水彩或水粉的工具材料临摹油画作品。尤其是水粉画颜料的不透明特性与油画更有相似之处。油画作品中的艺术处理，色彩和表现技法，都是水粉画可以学习借鉴的。印刷品与原作在色彩上会存在一定距离，如要选用需要慎重。故最好是临摹优秀的水粉画原作。 4、水粉记忆画。当我们用审美的意识，去观察生活周围的环境或欣赏大自然美景时，一定会受到景色的情调、气氛、意境的感染，以至留下难忘的印象。如用色彩把这个印象凭记忆默写下来，就是一幅色彩记忆画。这与色彩速写有类似的要求与意义，不同之处在于:速写在现场完成，默写在事后完成;速写着重训练敏锐的观察力，默写着重培养对色彩现象的记忆力;速写重感性，默写则偏理性。记忆画也能起到创作想像的作用，记忆画的进一步发展，就逐渐向想像画与创作过渡。如有的画家，室外现场写生的作品，不一定画完或画得很工整，常需要在室内凭记忆与想像来进行艺术加工。根据素描速写的构图稿子用想像的色 彩来完成，也是可以的，并且有时能获得更好的表现效果。 五、作业安排 1、鼓励学生博览色彩图书，了解色彩静物课程基础知识。 2、通过图书馆和网络渠道查找并阅读东西方色彩绘画的历史发展。 3、临摹一幅优秀的色彩静物作品。 第二部分、色彩静物画法与色彩静物画赏析(8课时) 一、教学目的 介绍色彩的基础理论，了解色彩的材料和功用。理解色彩在艺术和社会领域中的地位与意义等等。使学生透彻的理解本门课程的具体含义，掌握色彩静物的绘画技法的变化规律，为接下来的色彩静物实践训练作理论指导。 二、教学重点与难点 1、介绍色彩的基础理论。 2、掌握色彩的材料和功用。 3、原色、补色、视觉色彩的概念掌握。 4、色彩作品的解析方法和学习方法。 三、教学方法 讲授、画稿示范、巡回辅导、作品赏析。 四、教学内容与过程 色彩静物画赏析 一、对传统色彩教学的认识 自律性:纵向:艺术发展的继承与革新; 横向:多民族艺术的借鉴与创造，民族艺术与世界艺术的相互影响 与融合。 他律性:艺术的外因是怎样制约推动着艺术的发展，其中经济的作用最大， 是艺术发展的决定力量和终极原因。 师徒口传心授、边劳作实践边传授色彩知识(直接)一是官方的宫廷画家，二是民间的各种作坊——1585年，卡拉齐兄弟在波伦亚创建欧洲最初的美术学院，有组织、有系统地教授理论和技能 西方色彩学在我国正式成为学校的教学内容，是1902年创立南京两江师范学堂的图画手工科，一是社会主义阵营国家的专家，二是以徐悲鸿为首的留学西欧的画家。 二、理论的——实践的——重在理论的 20世纪艺术发展的最大特点是:一是对传统的借鉴打破了民族、地区、国家、时间等人为的或自然的障碍而更具世界性;二是各门类艺术之间相互影响更趋密切。现代艺术教学观念更强调思想艺术观念的培养。 三、建立现代色彩教学观 将色彩的视觉性、绘画性、教学性与造型的视觉性结合起来，综合其他学科。 (1)理论的强化使色彩的感性认识与理性认识充分地得到发掘 (2)画与色彩的分割与联系 (3)现代技术与色彩教学的结合 (4)教学体制对色彩教学影响的认识 (5)重在培养学生的创造力 (6)强调色彩对“现实社会的人”的冲击 水粉画的特性 每一个画种由于本身使用的材料及工具性能不同，必然产生其他画种不同的特点及相应的表现技法。研究和发挥水粉画的性能特点，是作画时扬长避短地取得理想的画面艺术效果的关键。 1.水粉画与其它画种之间的关系 水粉画在性能上是介与水彩画和油画之间的一个画种。水粉颜料干画厚涂时象油画，湿画薄涂时则象水彩画。但是它既难以达到油画的深邃浑厚，又逊色于水彩画那样透明轻快的效果。 2.水粉画的色彩特点 优点:水粉画的色彩鲜艳瑰丽、饱满柔润。水粉颜料具有比较强的遮盖力，这是水彩画不能达到的，但当它水多色薄地进行大面积渲染时，又令油画为之逊色。水粉画的材料简单，使用方便，画幅能大能小、作画能放能收，是一种非常灵活的、表现力强的绘画形式。 l 难点:水粉画颜料在干湿不同状态下色彩变化很大，色域不宽，在已经干固的颜色上覆盖时衔接比较困难，画得过厚的颜料干后容易龟裂脱落，还有难以长期保存等不足。 色彩静物画法 一、.水粉画的工具和材料 主要包括纸、笔、颜料、画板或画夹、调色盒或调色板、洗笔的容器等。 (1)纸: 以坚实稍厚的而又不吸水的为佳，比如白卡纸、绘画纸、白板纸等。如需要达到特殊的技法效果，可以采用宣纸、有底色的纸等。 (2)笔 :以有弹性而又有储色力的笔为上品。有扁头水粉笔、化妆笔、油画笔、底纹笔和毛笔等。各种笔或方或圆或尖，或硬或软，或长或短，可以根据技法的需要和每人的习惯选用。 (3)颜料: 水粉画的颜料有瓶装和管装两种，管装的颜料比瓶装的要好。水粉色在湿时最鲜明，半干时色彩灰暗，干透后出现粉味的色彩感觉。整个干燥过程的特点:是由湿到干地分分秒秒的渐变，色彩感觉也随着改变。所以要学好水粉画，首先要学会奴驾"变色"现象的本领。 二( 水粉画的表现方法和基本技法 (一)正确运用水分和白粉 水和白粉在水粉画里的作用:用于调合颜色、稀释和洗涤颜色。水粉画中提高或减弱色彩的明度纯度主要借助白色或其它颜色进行调配。合理地使用水可以达到类似水彩画的滋润效果，但是用水过多则会到处流散渗透，用水过多会使水粉色混浊灰涩，并缺少应有的鲜明度，颜色干后会大幅度的变淡，用粉过多或到处用白色容易造成粉气，并且使画面色彩苍白。在画物体的暗部和纯度高的地方要尽量少用白色，"惜白如金"。画暗部色彩可以用桔黄、土黄、湖蓝等浅色调合。但是不敢用白色则会使色彩灰暗或纯度过高使画面显的"火气"。 (二)水粉画的表现方法和基本技法 1(调色和上色方法 (1) 混合法 就是将几种颜色直接均匀地调合在一起。 (2) 溶合法 就是将几种颜色略加调合在没有完全调匀时就画到画面上，这样一支笔上有两种颜色，画出的色彩丰富而且活泼，但是掌握不好也会造成杂乱的感觉。 (3) 并置法 不同的颜色基本上不加调合或稍加调调合就直接并置在画面上，混色效果靠同时对比来达到。 2(水粉画的造型手法 (1) 明暗画法 是常用的写实画法，要求把物体的体积、重量感、空间位置、光线气氛等通过不同的色调和层次真实的表现出来。 (2) 归纳画法 是在明暗画法的基础上把客观物体的复杂色彩和形体进行必要的提炼和概括归纳，使画面效果更单纯鲜明有序的突出。归纳画法仍然保持画面效果的立体感和空间感。 (3) 限色画法 是以几种颜色来写生或作画。 (4) 平面画法 这种画法近似图案画法，装饰性强。多用于年画、 宣传 免费孕前优生健康检查孕期保健知识宣传1冬季预防流感知识宣传手足口病防知识宣传森林防火宣传内容 画、装饰画。 (5) 平涂画法 它的特点是色块均匀的平涂。 (6) 渲染画法 近似中国画的染色法，注意形体结构，也可以用线勾勒。 3(根据着色时用水和用色的多少、用笔和纸张的性能不同来分: (1) 干色画法 它的特点是调色时少加水，颜色干后变色差别就小，在覆盖或接色时比较容易把握住调色的准确性。干色画法要注意用色的厚薄。笔上的颜色多时，可以盖住底色，此法叫厚涂法。覆盖或层加以及深入刻划或改画时多用此法，应注意用笔的肯定准确。在干画法中提高色彩的明度主要依靠白色和其他浅色。厚涂画法中的色块色感饱满，适于表现物体的明部或中间面，但是在明暗画法中的暗部用色不应太厚，这种画法一般从暗部画起，逐渐向中间色和亮面推移。干画法适宜表现色块和形体肯定、转折和对比清晰的物体。这种画法用笔肯定，但是运用不当容易造成干枯和刻板的毛病。 (2)湿色画法 它的特点是颜色中有一定的含水量，色彩饱和而不干，笔触之间要趁湿的时候衔接，干后没有明显的接痕，画面有含蓄、滋润的优点。 这种画法一般从大块的中间色画起，接着画暗部和亮面。假如画整幅画，就一般先画背景或远景。此法适于表现形体转折不明显的物体。 五、作业安排 1、鼓励学生博览色彩图书，了解色彩静物课程基础知识。 2、通过图书馆和网络渠道查找并阅读东西方色彩绘画的历史发展。 3、课堂写生一幅色彩静物，要求质量高、理解全面。 第三部分、色彩(水粉)静物写生步骤(8课时) 一、教学目的 了解和学习色彩的制作步骤 二、教学重点与难点 1、介绍色彩的基础理论。 2、掌握色彩的材料和功用。 3、原色、补色、视觉色彩的概念掌握。 4、色彩作品的解析方法和学习方法。 5、绘画步骤的连续性，和逻辑性。 三、教学方法 讲授、画稿示范、巡回辅导、作品赏析。 四、教学内容与过程 绘画的心理准备:构图——色调——具体造型——情绪表现;整体——局部——整体 一、布置静物——建立创造性 确定主体，选择符合主体内容的物体。 二、构图——培养组织画面的能力 构图的好坏可以说是一副作品成功与否的基础，也是作者设计结果好坏的直接反映，又是作者的艺术修养水平和基本功的体现。应注意:一是视点的高低、角度与物体的间距。二是各物体的位置距离要有疏密、平衡与变化。 勾稿要轻，一要“准确”，二要“简洁”。 三、大体色——整体比什么都重要 着色是从铺大色调开始的。 四、深入刻画——能力的体现 充分地塑造对象的形体结构、质感和空间。要经常保持整体看、局部画，眼睛要不断在画面的上下左右扫描、比较。 五、收拾画面——艺术的开始 以艺术作品的标准来删减、整合画面的阶段。调整前后空间距离、虚实关系，对次要部分或不应该过分实在的部分做减弱处理，一切细节服从于整体。 六、物与物的各种关系——调和创造美和谐 一、构图、构成——组织设计画面 二、色调气氛——把握控制色彩的表现度 三、造型——让“形色”服从“我”的艺术 用更“形式”的眼去理解、观察，用更“情绪”的心态去表现、创造，学会 用感觉去绘画。 四、表现——创造“第二自然” 让自然作为一种参照，用符号和痕迹来表现心境，创造“第二自然”。 一、将绘画的诸因素都在习作中训练 二、认识到写生也是一种创作 创作是将艺术意象物化为作品的形式;写生是将生活中具体事物转化为表象的途径或手段。 三、从一开始就要有创作意识 艺术创作，就是艺术家审美意识的表现。 水粉画写生的基本步骤 水粉画写生的原则:从整体到局部，再从局部回到整体;从感觉到理性分析，再从理性分析回到高层次的感觉。整体的联系和比较，这种观察分析的方法必须贯穿整个作画过程。 水粉画的作画步骤: 1( 构思构图 构思 动笔之前要进行认真的观察和分析，做到意在笔先。在本阶段要对构图上的对比和均衡、物象的主次、色块之间的安排、画面总的色彩调子等进行分析。 构图起稿 用铅笔或炭笔把物体的形体轮廓、比例、结透视变化等概括的画出来。起搞时只需勾出大的轮廓，不必拘于细节。 单色定稿 根据画面的色调，用单色把物体的形体关系、大体明暗关系概括地肯定地画出来。常用的色彩有赭石、熟褐、群青、等。单色定稿的作用是修改形体、加强明暗关系和底色的作用。 2( 铺大体色块 根据第一印象和大的色彩关系用的大色块及关键的色块迅速的表现出来。初学者可以从暗部画起，然后到中间色最后到亮面。这种方法比较容易控制画面的明暗关系和明暗层次。 在画暗部时要尽量少用白色，用色要薄并且透明，同时要注意暗部的色相、冷暖对比以及与环境的联系。 3( 深入刻划 在深入分析的基础上画出物体的三大面五调子的色彩层次变化，主要表现物体的形体结构、质感、空间感。在此阶段用色要干一些，亮面可画得厚一些。 主要物体和前景应该画得色彩丰富、用笔要肯定、对比要强烈、形体要明确。最后画出物体的高光、反光以及最暗处的色彩，并要注意色彩的冷暖变化。 在此阶段中要注意整体感，(整体着眼，局部入手)，深入刻画不等于把物体到处重新画一次，在第一遍色时已经达到的色彩效果可以保持下来。 塑造具有艺术性的艺术形象是本阶段的重要任务。 4( 画面调整 本阶段的重点是使画面的整体关系更加协调，动笔不在多，要多看多想。比如:妨碍色调的统一的色彩要改正，为了突出画面的主体就必须把陪衬物的色彩或塑造减弱;画面空间前中后层次是否拉开等等。 画面的整体效果直接体现作画者水平的高低，就是说一幅画 的成败还在于画面的调整阶段。 五、作业安排 1、鼓励学生博览色彩图书，了解色彩静物课程基础知识。 2、课堂写生一幅色彩静物，要求质量高、理解全面。 第四部分、色彩静物的构图(8课时) 一、教学目的 色彩的构图规律 二、教学重点与难点 1、介绍色彩的基础理论。 2、掌握色彩的材料和功用。 3、色彩作品的解析方法和学习方法。 4、绘画步骤的连续性，和逻辑性。 5、各种构图形式的灵活运用。 三、教学方法 讲授、画稿示范、巡回辅导、作品赏析。 四、教学内容与过程 色彩静物的构图 首先，让学生主动参与静物的放置，对教师安排这一堂课的课题设计有透澈的理解，掌握这一堂课的要求和意图。对于素描造型而言，要求表现出形态、质感、空间组合和构图循序的差异。就色彩的意义上看，要注重用色彩去表现素描的要求，还要注意色彩的情趣、色彩的对比与和谐，包括色调、色块面积布置，色彩构图安排都应考虑在内。整体和谐的色彩格调，鲜明的色彩感受提示是静物设置的重点。由此形成感性认识，引导色彩思维路向，最大可能调动学生视觉感觉。 在色彩写生练习之前，先让学生掌握色彩的基本知识，注重由明度对比训练的黑白灰向色彩的转换预习，并注意由炭、铅笔等向色彩画专用笔的工具转换练习。强调对色彩的感受如何是色彩静物写生这一审美过程成败的关键。因此，在掌握了色彩学必要的知识前提下，对色彩的感受性，是色彩写生的动力。当然，在观察色彩静物时，每个人的感知过程与其所掌握的审美情趣，对色彩的认识，所表述的色彩语言分不开的。能否启发学生独到的色彩发现及对色彩的审美灵性是静物色彩写生的主攻方向。对色相、明度、色彩冷暖的理解及画面组合方式的训练，以及对工具熟练运用，则是调动学生感受色彩，挖掘审美潜能的媒介。整体认识、整体观察、整体比较是通向领悟色彩规律真谛的渠道。写生的过程并非仅仅会描绘客观对象。而是一种思维方式的培养。是以较正确的方法发现、体会，表达色彩的整体感受，为培养学生的创作意识提供可能的条件。一幅好的作品，应具备 ? 要有总的色彩情调，即一幅画的色彩基调。因为色彩画的核心是表现 色彩的情调，不论怎样千变万化，都要纳入总的基调中来。 ? 要有大块色的对比。对一幅静物画，主体与背景就是两大块。只有处 理好大块色，这幅画才会响亮、鲜明、生动。这个对比，既要注意明 度(黑白灰)对比，更要注意色相、色性上的对比，尤其要发现对比 中的补色关系。 ? 要有色彩的变化、呼应。这个变化是大的关系、趋势上的变化，比如 静物背景的衬布，要注意从前到后，从左到右的变化。同一物体，注 意不同部位的变化。主体与背景的呼应主要体现在暗部的反光面上， 一般环境色(条件色)都反映在主体的暗部。同时要注意画面色块的 呼应，达到画面的平衡。有了这种变化，色彩才会丰富、和谐、有节 奏感，才会使对比的大块色协调起来。 ? 要有刻画精到的细部。要在画面中，选取关键的细部，精雕细刻，只 有这样，这幅画才耐看，在造型、质感及表现技巧上才给人以观赏上 的满足，才使这幅画具有深度。学生有了这个尺度，在看别人画时， 能分辩出优劣，才能学到别人的长处，看自己的画时，才会发不足、 不断改进。 每一张作业时应从"小色彩稿"开始着手，迅速地在小幅纸画上将感受的色彩、生动地表达出来，解决色彩的组合关系和整体构图安排，并可以不断调整角度达到理想的组合为止。这种小稿训练，对色彩的第一感受表达出来。在这一阶段的练习中，注意大色块的整体感受，并强调平面化的色块结构，及其对比和呼应的关系，注意整体色调的和谐以及由此而产生的色彩情感的属性。要求学生多画些小色彩稿，画出同一静物在不同角度、不同效果的色彩稿，调整感觉，并运用色彩知识增强想象力，从而不断完善。 五、作业安排 1、鼓励学生博览色彩图书，了解色彩静物课程基础知识。 2、课堂写生一幅色彩静物，要求质量高、理解全面。 第五部分、色彩静物的色调(8课时) 一、教学目的 色彩的对比关系的熟练掌握 二、教学重点与难点 1、介绍色彩的基础理论。 2、掌握色彩的材料和功用。 3、绘画步骤的连续性，和逻辑性。 4、色彩各种对比关系的相互协调。 三、教学方法 讲授、画稿示范、巡回辅导、作品赏析。 四、教学内容与过程 一、色彩静物的色调 第一节 色彩之间的组织结构语言 色彩的组织结构语言是关于色彩本身的对比方式和色彩的构成方式，是色彩的基本形式语言。 色相对比，是在人类绘画史上最早出现的色彩结构，它基本是以未经调合的强烈的基本色彩为主。 明暗对比，和三维立体的幻觉分不开。 色性对比，是最直接地对人的感情产生影响的色彩对比。 纯度对比，能给人最明确的色彩秩序。 面积对比，和构图关系最密切。 色彩的位置和空间关系是色彩构成和平面构成相交叉的因素。 第一节 色彩的技法表现语言 多样化、个性化 材料、肌理、笔触、质感等的美感 第二节 色彩的形式表现语言 色彩的形式美是纯粹语言形式。对比、和谐、节奏和韵律是纯粹形式要素。 对比:所有的对比是同时发生的，相互呼应、相互影响 和谐:根据色彩生理学研究，人们接受一种色光的刺激时，本能地要求它的补色来平衡视觉。和谐的色彩形式问题是围绕着从平衡到不平衡的矛盾的辨证统一展开的。 节奏和韵律是人类内在生命力的外在表现。节奏是在时间上的均匀分段。韵律在绘画中，指能对眼睛刺激的强度不同的色彩有规律地排列布局。 二、作画工具的选择 现在市场流行的水粉笔不外乎三大类??羊毫、狼毫及尼龙毛笔。羊毫的特点是含水量较大，醮色较多，优点是一笔颜色涂出的面积较大，缺点是由于含水量太大，画出的笔触容易浑浊，不太适合于细节刻画。狼毫的特点是含水量较少，比羊毫的弹性要好，适合于局部细节的刻画。随着现代化工业的进步，市面上大量流行尼龙毛笔，在选择尼龙毛笔的时候，要特别注意它的质地，要软且具有弹性，切忌笔锋过硬。过硬笔锋的笔往往很难醮上颜料，在画面上容易拖起下面的颜色，使覆盖力大为降低。在选择笔的形状上，不同的种类都选择一些，如扁头、尖头、刀笔等，以备不同场合，不同题材的作画之需。 颜料最好使用正宗美术用品生产厂家生产的锡管装的专业产?品，它膏体细腻，色彩较饱和。切勿被廉价的劣质产品所迷惑。在纸张的选择上， 应选用有纹理的优质水彩画纸作画，吸水性不能太强。有些劣质的纸张，不但吸水还吸颜色，使颜色干后发黑，用这样的纸张作画，画面的颜色难以明快亮丽。 三、水粉色彩纯度与明度的局限性 水粉画在湿的时候，它颜色的饱和度和油画一样很高，而干后，由于粉的作用及颜色失去光泽，饱和度大幅度降低，这就是它颜色纯度的局限性。 水粉明度的提高是通过稀释、加粉或含粉质颜料较多的浅颜色来实现的。它的干湿变化非常之大，往往有些颜色只加少许的粉，在湿时和干时，其明度就表现出或深或浅的差别。由于水粉画干后颜色普遍变浅，所以，运用好粉是水粉画技术上最难解决的问题。而含粉的色彩又恰恰是水粉画的魅力所在，它使画面的颜色充满水粉画特有的“粉”的品质，而出现特别丰富的中间色彩。 四、水粉画颜料的个性差异 水粉颜料大部分颜色是比较稳定的，如土黄、土红、赭石、桔黄、中黄、淡黄、橄榄绿、粉绿、群青、钴蓝、湖蓝等等。但是，水粉颜料中的深红、玫瑰红、青莲、紫罗兰等颜色就极不稳定，容易出现翻色，不易覆盖。水粉颜色的透明色彩种类较少，只有柠檬黄、玫瑰红、青莲等少数几种颜色，要画好水粉画就必须充分掌握水粉各颜料的个性，了解它的受色能力的强弱、覆盖能力的大小、色价的高低。这些问题都要通过不断实践，做到熟能生巧。 五、作业安排 1、鼓励学生博览色彩图书，了解色彩静物课程基础知识。 2、课堂写生一幅色彩静物，要求质量高、理解全面。 第六部分、色彩(水粉)静物质感的表现方法 (8课时) 一、教学目的 了解质感的表现方法和观察方法 二、教学重点与难点 1、介绍色彩的基础理论。 2、掌握色彩的材料和功用。 3、绘画步骤的连续性，和逻辑性。 4、静物质感的观察规律及色彩组合方法。 三、教学方法 讲授、画稿示范、巡回辅导、作品赏析。 四、教学内容与过程 色彩(水粉)静物质感的表现方法 第一节 对比统一、完整和谐 研究色彩的美感规律是美术的重要环节。色彩美的基本原则是对比统一，即和谐。色彩对比的本质特征是激活视觉的鲜明度。色彩的美感在于获得平衡和失去平衡之间的张力;在平衡当中寻求不平衡，或者在不平衡中寻找平衡。 第二节 从色轮来认识色调的建立 1.两色组合 色轮中处于直径相对位置的色彩，补色构成和谐色彩 2.三色组合 色轮中处于等边或等腰三角形 3.四色组合 色轮中处于正方形、长方形、(两对补色)不是直角或不等边的四边形、等边梯形 4.六(五)色组合 色轮中处于正六边形(三对补色)，或正(长)方形的四色加上黑、白两色，三角形的三色加上黑、白两色 主要包括主次、整体、对比、平衡、节奏、韵律、调和、比例、层次、透视等。色彩的力量更多地取决于色彩的浓度和强度。整体大于局部之和的规律。 人在生活实践中将色彩和具体的事物联系起来，在主观上赋予色彩以更具体的意义，这就是色彩的联想和象征。色彩的联想是人类的本能，它内在于全人类，是普遍的。色彩的象征更多地和社会实践有关，更明显受到地域、民族、文化、历史等的影响。 色彩(水粉)静物质感的表现技法 干画法:就是说水少粉多的意思，这种画法多采用挤干笔头所含水分，调色时不加水或少加水，使颜料成一种膏糊状，先深后浅，从大面到细部，一遍遍地覆盖和深入，越画越充分，并随着由深到浅的进展，不断调入更多的白粉来提亮画面。干画法运笔比较涩滞，而且呈枯干状，但比较具体和结实，便于表现肯定而明确的形体与色彩，如物体凹凸分明处，画中主体物的亮部及精彩的细节刻画。这种画法非常注重落笔，力求观察准确，下笔肯定，每一笔下去都代表一定的形体与色彩关系。干画法也有它的缺点，画面过多的采用此法，加上运用技巧不当，会造成画面干枯和呆板。 但干画法的色彩干后变化小，对于练习色彩收效较大，也容易掌握。 湿画法:此法与干画法相反，用水多，用粉少。它吸收了水彩画及国画泼墨的技法，也最能发挥水粉画运用“水”的好处，用水分稀释颜料渲染而成。湿画法也可以利用纸和颜色的透明来求得像水彩那样的明快与清爽。但它所采用的湿技法比画水彩要求更高，由于水粉颜料颗粒粗，就要求湿画时必须看准画面，湿画部位一次渲染成功，过多的涂抹或多遍涂抹必然造成画面灰而腻。但这种画法运笔流畅自如，效果滋润柔和，特别适于画结构松散的物体和虚淡的背景以及物体含糊不清的暗面。如发挥得当，它能表现出一种浑然一体和痛快淋漓的生动韵味。它的色彩借助水的流动与相互渗透，有时会出现意想不到的效果。为制造这种湿效果，不但颜料要加水稀释，画纸也要根据局部和整体的需要用水打湿，以此保证湿的时间和色彩衔接自然。有关湿画法的控制及实际操作运用，上述画法步骤中已讲得很多，不再一一细述。 水粉画干湿画法的特点以及应用范围:基本上如前所述。要特别说明的是:干画法与湿画法的分界是以画笔含水量的多少来决定，一般人认为用粉及用色多了，画得厚了，就是干画法，这不准确，因为必须是粉多、色多、水少才成为干画法。也有人认为粉少、画得薄就是湿画法，这也不确切，只有稀释颜料用水多的情况下才能成为湿画法。因此，可以说有粉多的干画法，也有粉少的干画法。与此相反，湿画法也有粉多湿画法和粉少的湿画法。但不管干也好，湿也罢，仍然以粉使用之得当为佳，这样才不失水粉画的特点。干画法和湿画法，二者在作画时应交叉运用，只是根据画面实际需要，有的湿画法运用多一些，有的干画法运用多一些。如果一幅画用水过多，全部采用湿画法来处理画面，就容易造成失控，使物体松散，并失去色彩光泽。同样，全部采用干画法，靠堆积的颜色和白粉不断加厚画面，就会出现死板、干裂和颜色脱落的情况，画面也难以长期保存。 总之，干、湿画法只有根据作画步骤，由湿到干、由薄到厚的顺序合理运，才能发挥干、湿技巧的最佳效果。这是一般的作画过程所遵守的原则，真正运用还要在实践中根据画面要求灵活掌握。水粉静物画技法第一步:这种平摆浮搁的构图给人的感觉很自然，也是一种构图形式。单色起底。用色要注意，造型要准确。第二步:这是一幅紫颜色的画面，紫色不易反复画。第一遍的颜色要争取画准确，使下一步能有一个好的基础。黄与紫是强对比色，通过玻璃盘的灰紫色;把两种对比较强的颜色连接起来，把粉紫色衬布上的梨和桔子的暗部色画得偏桔偏暖、形成对比，很有颜色感、瓷瓶和瓷碗的反射能力较强，在背光的暖颜色加了紫色的成分，使整体颜色处在变化统一的色彩气氛中，很响亮鲜明。第三步:用干画法表现塑造桃子的质感。用小笔调一下的黄绿色，画出桃子的微妙变化;如背光、 反光、倒影、桃子之间的缝隙。而粉紫衬布上的黄梨颜色调得很饱和，水分适当。如浅黄加白至中黄过渡到桔加绿，在颜色湿的时候进行衔接，笔触含蓄，表现出梨的光泽质感和韵味。花瓶受光部分的花纹可画虚些，偏蓝紫味。而转折部画的实些，背光带绿味。这一步要注意画面的虚实、强弱、冷暖变化。第四步:这一步是收口工作，要求准而精、一定要整体观察。影响整体关系的地方要毫不犹豫改掉，如花瓶背光的调整，调普蓝加熟褐画出背光里的花纹变化，边缘处调点紫色，明度与后边的衬布接近，使之边缘线含到背光里面，空间感比原来要好多了。桃子之间的关系有些过实，缝隙过重可带点暖色减弱些。玻璃酒杯的边缘用小笔细心画出细线，提出质感、粉衬布靠里边一些地方加了些冷灰色。白碗里的梨边缘也带了几笔。前后形成色彩的透视变化和画面的整体协调感。使画面更完整。第五步:调整画面，细部的地方，大体的画面要处理好，杂乱的东西要除去。 五、作业安排 1、鼓励学生博览色彩图书，了解色彩静物课程基础知识。 2、课堂写生一幅色彩静物，要求质量高、理解全面。 第七部分、色彩静物画空间的表现方法(8课时) 一、教学目的 画面空间的表现，绘画的思路和立意 二、教学重点与难点 1、介绍色彩的基础理论。 2、掌握色彩的材料和功用。 3、绘画步骤的连续性，和逻辑性。 4、绘画中的空间手段运用，激发学生的创造欲。 三、教学方法 讲授、画稿示范、巡回辅导、作品赏析。 四、教学内容与过程 色彩静物画空间的表现方法 第一节 画面组织概念 一、构图与构成——从自然走向自我 构图是将绘画表现的自然物体作自然的组合;构成是将绘画表现的自然物体作主观的组合。构成是在构图基础上的发展，是艺术走向表现的特征。 二、色调与气氛——色彩倾向性把握 色调是指画面形成的总体色彩面貌，最终色调结构关系必须求得和谐统一，色调才可以明确传达某种气氛和情感。 三、技术与技法——艺术家激情的流露 四、对比与多样——艺术性应高于生活 五、用途与立意——画面应体现思想精神 色彩的选择，直接关系到画面思想意境的表达。 六、组织与设计——是一种好的应用工具 1.图形设计 2.确定色调基色 3.确定画面主色 4.确定画面铺色 第二节 绘画感觉的概念 绘画创作是一种情感活动过程，直觉占很大比重，感觉和理性是人类的两种基本认识方式，感觉没有理性的深邃和严密，理性没有感觉的敏锐与生动，艺术活动应是感觉与理性的统一。艺术中的感觉是对客观自然有一种直觉感受和直觉把握。 一、冲动与兴奋——绘画让人激动起来 被客观自然对象唤起的审美冲动我们把它叫“审美情感”，完全是自发和直觉的，不是靠分析研究取得，不依理性而存在，艺术是用情感去把握世界，描绘艺术家的心灵律动和心路历程。作画过程是一个充满兴趣的富于刺激性的探险过程。 二、兴趣与心态——养成作画的心理 写生所面临的对象是艺术家创作灵感的源泉。良好的心态是培养作画兴趣的关键。捕捉色彩兴趣点，主要抓色相、色组和色彩关系三个方面，实际上是寻找 表现“目标”。 三、观看与观察——用“心”去看 看与察是由表及里、由浅入深的概念。观察，实际上是一种思考方式。观察就是发现，发现的前提是忘掉一切，从零开始，发现别人从未发现过的新东西。艺术家的观察和发现，应具有专业眼光，即对形式美感的观察与发现。表现性观察的核心是强化个人偏爱，发现自己的兴趣点，不顾甚至有意偏离自然真实。绘画是脑、眼、手三位一体的协调过程。 四、主观与偏见——另眼看世界，走向极端 每个艺术家的存在价值，就在于他的独立性。偏爱是个人本能和潜意识的特殊呈现，具有鲜明的个人化特征。创意在于发散思维，成功在于聚合思维。 五、整体与局部——相互照应，一张一弛 一张画可使你神游，神游就是“虚”。在处理整体与局部的关系时，应做到一张一弛，一松一紧。一个画面必须有强弱虚实的节奏变化。 六、肌理与笔触——绘画内在艺术性的体现 肌理是材料及其在绘画制作过程中在画面上留下的纹理和画面表层及基底的结构特征，即材料和技法在画面上综合表现的材质效果。 七、随机与理性——理性地控制，跟着感觉走 艺术家从事艺术创作是一项愉快的工作，充满精神体验。在作画过程中的直觉把握方法具有随机性，边画边想边调整。随机不是盲目的，理性也不能是僵死的。在艺术修养达到一定程度的基础上，才能理性与感性结合，做到“随心所欲”。 八、层次与品位——眼高于手，思想在先 手上功夫能力高低的来源在于眼看的能力、用心领悟的能力。眼高指的是人的艺术修养高，思想观念新。 九、深度与功夫——充分发挥潜能，重在修养 “艺术直觉”的形成，是艺术修养长期积累的结果，包括个人经验的积累和人类文化的长期心理积淀在个人身上的作用。在作品完成之后，审视思考自己的作品时，理性的思维方式决定了能否具有深度模式。 第三节 画面色彩感的概念 色彩感指色彩与色彩结合后相互产生作用，即结构关系。 一、各种色彩关系的对比 二、色彩的结合(包括色彩的调合和组合) 三、色彩和谐与变化(和谐是各个有差异的组成部分相协调的产物) 四、形状与色彩 五、色彩的空间效果 六、色彩的印象理论 七、色彩与用笔效果 八、色彩的肌理效果 九、色彩的层(“把画画足”的意思是要求画的感觉充分、耐看或饱满) 五、作业安排 1、鼓励学生博览色彩图书，了解色彩静物课程基础知识。 2、课堂写生一幅色彩静物，要求质量高、理解全面。 第八部分、室内静物的色彩关系(8课时) 一、教学目的 了解静物与所在环境的色彩关系 二、教学重点与难点 1、介绍色彩的基础理论。 2、掌握色彩的材料和功用。 3、绘画步骤的连续性，和逻辑性。 4、色彩的表现要求，和详细的表现步骤。 三、教学方法 讲授、画稿示范、巡回辅导、作品赏析。 四、教学内容与过程 室内静物的色彩关系 一、看的概念 1.看物看形 2.主观的、结构的 3.平面的、交叉的 4.面积分割 5.点、线、面 6.色的调和 7.用“艺术”的眼(客观物象是参照，不是最终样式) 二、画的概念 1.有情才有意(让自己在色彩的表现中更多地体会感情，是色彩学习的需要) 2.边想、边看、边画 3.多动脑少动笔(画面是技术和思想的高度结合) 4.顺水推舟(善于保留画面上“不经意”或“闪光点”的东西，在画中感受画的情趣) 5.水到渠成(在绘画中感受勤奋，让思想情感在画面上流溢，在绘画中去感受成就的取得) 6.潜能的发现与发挥(要求更多的实践) 7.一张画找到一个关注点 8.先色后形还是先形后色 9.整体比什么都重要 10.像听音乐一样去把握画的节奏韵律、画面的形与色的变化起伏 11.回到本体，注重自我 12.艺术家就艺术家 13.有时代的观念就有时代的艺术 三、色彩关系的表现步骤 "小色彩稿"定型后，就开始画"正稿"，要保持小色彩稿时的新鲜感受，强调迅速的、鲜明的整体感受。在把握色彩的同时，要注重形体刻画，要把握好色彩与形体的关系，在作画过程中，每个阶段有所侧重。 ?起稿阶段:这个阶段的任务是解决好构图比例、结构造型。总的讲，就是解决形，起稿可用单色画线，但是所用的单色，一定要考虑到对以后画面的作用，用与画面色调协调的色或对比的色都可以，但是不要太浓、太艳。因为用很浓、很艳的色线对下一步布置大色会有干扰。这个阶段，用的时间不要过短，一定要沉稳的进行，做得从容充分(如果全过程用三个半小时，这一段可用20-30分钟)。 ?布置大色阶段:这一阶段重点是解决色的问题，因为在起稿阶段已对形有了把握，所以这个阶段可放开胆子铺色，眼观全局，大胆落笔，要迅速、果断地把大的色彩关系布置上去，在上每一部分颜色时不要犹豫，尤其是对这块色的对错还拿不准时，可先不去理会，等其它色块都上去了，再做全局性的调整，因为色彩是相互依存的，只有在构成整体关系时才能认定是否适当。这一阶段切忌局部的过多变化，一切都是大的。大的色块、大的变化，至于局部的具体变化可放在下一步。这一段是全过程中最关键的一环，它决定画面的基调及大块色的分布，这一步做得好，就使这幅画有了成功的基础。这一段用的时间可在60分钟左右，不宜过长。在补色时，即使破点形也不怕，因有了形的根基，下一步再收回来也不难。 ?深入刻画阶段:这一阶段是形色结合的，在抓住重点的局部深入刻画时，要笔笔落实，形色都要具体，这就要求观察要深入具体，要看到细微的形体关系及细微的色彩变化。这一阶段要有重点，不可面面俱到平均对待，要善于保留在大关系阶段可取之处，不要做大的全局性的改动，不要做否定性的覆盖。要在调整中深入，不断的充实大关系，防止破坏已形成的大关系。这一段可用一个半小时。 ?结束前的调整:在接近完成时，要离开画面站在远处，审视自己的画，发现必须调整的毛病，比如在画面中哪些地方画弱了、可加强，提线。哪些地方画多了，可减弱„„使画面更完美、生动。这一阶段可用30分钟时间。这一阶段基本上是大局已定，改动调整，一定要慎重，不可大动。作画的原则，就是整体地推进、比较进行。"整体"并非这一笔、那一笔地去画，而是要画此顾彼、画此为彼，彼此间相对比、相联系。 因此，整体是由物体之间相互比较调整而得出的。在此特别要指出是整体的色彩观察及表现是基于整体的造型因素基础之上所体现出"色"、"形"不可分的道理。 五、作业安排 1、鼓励学生博览色彩图书，了解色彩静物课程基础知识。 2、课堂写生一幅色彩静物，要求质量高、理解全面。