关于美术史

浅谈巴洛克与罗可可艺术 关于巴洛克和罗可可艺术,美术史学界一直颇有争议。大部分人认为它们代表着艳情和轻浮,但我认为艺术是研究不能简单的沿袭前人的观点与成果,更不能奉前辈大师的研究成果为不可打破的圭臬,因循守旧,裹步不前。艺术是需要重审与重释,作为一个初学者,应该具备辩证的精神,充分分析一个艺术流派产生的时代背景,立足当时的社会语境去阐释其风格特征,理其细节,探其精髓,拨开前代理论家们一层一层的话语遮蔽,还原它的本来面目,并以当今的眼光去重新 评价 LEC评价法下载LEC评价法下载评价量规免费下载学院评价表文档下载学院评价表文档下载 其有过的影响应有的地位。下面我就谈谈我对巴洛克和罗可可艺术的认识。 巴洛克艺术: 欧洲17世纪的美术样式。发源于意大利,以其热情奔放、运动强烈、装饰 华丽而自成一体,与16世纪盛期文艺复兴美术的庄重典雅相区别。 巴洛克建筑最早可追溯于米开朗琪罗的雄强风格和大胆 设计 领导形象设计圆作业设计ao工艺污水处理厂设计附属工程施工组织设计清扫机器人结构设计 ,如圣彼得大教 堂(梵蒂冈)的圆顶他的两位助手维尼奥拉和波尔塔在1568—1584年间完成的罗 马耶稣教堂则被公认为是从样式主义转向巴洛克的代表作,这座教堂内部突出了 主厅和中央圆顶,加强了中央大门的作用,以其结构的严密和中心效果的强烈而 显示了新的特色,因此,耶稣教堂的内部和门面后来都成为巴洛克教堂的模式。17 世纪早期巴洛克建筑的主要代表则是 C.马代尔诺建造的罗马圣苏珊娜教堂(1597~1603),虽大体仿效耶稣教堂,比例却更为高峻雄伟,门面的细部安 排层层曲突,愈近中央大门愈为明显。建筑的立体塑形复杂多变,动态强烈。马 代尔诺还担任了圣彼得大教堂的内部改建和门面建筑设计。这座著名建筑曾按米 开朗琪罗和波尔塔的设计,建成了中央圆顶,但教会出于宗教仪式需要,决定修 改原来的中心型的设计,由马代尔诺加长了主厅前半部,使它成为符合教会传统 的长方形十字教堂。马代尔诺扩建的内部和门面仍吸取了米开朗琪罗的巨形柱式 的基本图案,保持了整体的雄伟感,门面的安排还采取了类似圣苏珊娜教堂的手 法,使这种教堂具有了巴洛克的面貌。但由于主厅加长,圆顶被置于后部,从门面上已看不到圆顶的雄姿,实为美中不足。 17世纪盛期巴洛克建筑的两位最杰出的大师,是贝尼尼和博罗米尼。贝尼尼作为雕刻家和建筑家,他在1624~1633年间完成的、置于圣彼得大教堂内的青铜华盖,是一座高29米的巨型幕棚,以4根螺旋形雕花大柱支撑盖顶,雄伟而又华丽。贝尼尼长期担任圣彼得大教堂内部装修,使建筑与雕刻融为一体。最为著名的是他为教堂祭坛设计的圣彼得法座,卫护的圣徒、飞腾的天使和云间透射的圣灵之光与建筑结合巧妙,充分发挥了巴洛克美术热烈奔放的特色。贝尼尼还为圣彼得大教堂设计了门前双臂环拱形的广场和柱廊,使它成为西方最美的广场建筑之一。博罗米尼的建筑喜用凹凸多变的曲线和多种几何形体的复杂交错,从整体布局到细部安排都能独出心裁,代表作如四泉的圣卡洛教堂、圣伊沃教堂等,被誉为巴洛克建筑的典范。在他俩影响下,罗马出现了一大批巴洛克建筑大师,他们在罗马建造了许多华美的教堂、宫殿、广场与喷泉,遂使巴洛克风格流行全欧洲。 绘画与雕刻巴洛克绘画也可溯源于米开朗琪罗和科雷乔等文艺复兴大师,但主要是通过克服16世纪后期的样式主义而发展的。而在这一过程之初,两位影响最大的艺术家卡拉瓦乔和 A.卡拉奇又分别以现实主义和古典主义为主要特色因此巴洛克风格的形成比较复杂,它吸收了这些大师的健康的写实倾向和一些手法特点(如光暗、色彩、透视等),并配合巴洛克建筑而发展。意大利巴洛克绘画的名家有G.雷尼、圭尔奇诺、B.斯特罗齐、S.罗萨等,尤以兼工建筑的彼得罗?达科尔托纳为杰出。他的主要作品是罗马巴尔贝里尼宫大厅壁画和佛罗伦萨皮蒂宫壁画与装饰,前者继承了卡拉奇和圭尔奇诺以来的屋顶壁画传统,在建筑透视背景上让空中翱翔的神话人物穿插其间,气势磅礴,动感极其强烈;后者则将华丽的壁画、雕塑与建筑结为一体,充分发挥了巴洛克的特色,在室内装修艺术上具有划时代意义。 罗可可艺术: 继法国古典主义后,罗可可艺术占据了18世纪前半期的法国。这种以贵族的,描绘贵族肖像及宫廷生活为 题 快递公司问题件快递公司问题件货款处理关于圆的周长面积重点题型关于解方程组的题及答案关于南海问题 材的艺术,以其独特的艺术风格、手法,在艺术史上划过一道耀眼的光芒。然而,当提到罗可可艺术史时,我们的脑子里显现的是以“浮华、艳情”来概括的艺术特征,很多论著中也无一不是这些词来形容。但在研究其发展过程来看用这些“浮华、艳情、做作……”的词语来阐释其艺术特征并不全面。有些艺术理论家已经认识到这一点,在强调罗可可浮华艳情的一面时,也十分推崇这种艺术风格精美优雅,纤巧玲珑,富于生活意趣的另一面:“他一方面不免浮华做作,缺乏对神圣力量的感受;另一方面却以法国式的轻快优雅使绘画完全摆脱了宗教题材。愉悦亲切,舒适豪华的场景取代了圣徒殉难,从而在反映现实上向前大大迈进了一步。” 罗可可艺术产生于18世纪的法国,在路易十五当政时期走向全盛并不是偶然的,文艺复兴以来反神学的艺术精神,当时法国特殊的政治经济状况以及艺术规律自身的逻辑性促成了罗可可艺术的产生。它的产生标志着对封建神学在艺术上的毁灭性打击,从此以后神性的崇高基本上从各个艺术流派画家们的画布上消失无踪,罗可可艺术进步的现实性、人间性在以后的各个流派中也得到了充分的扬弃。但是,罗可可艺术后来却以其“艳情、轻浮”甚至“俗滥”的标签位列于艺术史上,这是不公平的,也是不科学的。其艳情轻浮一样是历史的进步,而且与其进步性的特征密不可分。艺术史上历来用以强调它的艺术特征的“艳情、轻浮、媚俗”等词语,是一种历史偏见的非理性延续,也是男权社会占有话语权的男权意识对这种女性艺术的歧视性定义。了解到这些以后,罗可可艺术的历史地位便得到了一定程度上的恢复,以公正的眼光而不是以固有的偏见眼光和男性眼光去审视它,便可发现罗可可艺术的伟大和超前之处,包括它与后现代主义艺术的若干精神上的相通。 罗可可艺术的诞生:“罗可可”(Rococo)是法文“岩石”的复合词,意思是此风格以岩石和蚌壳装饰为其特色,是巴洛克风格与中国装饰趣味结合起来的,运用多个S线组合的一种华丽雕琢,纤巧繁琐的艺术样式。由于它只是在路易十五时代流行开来,所以又称它为“路易十五风格”或“路易十五式”。同时,由于路易十五的情妇蓬帕杜夫人,杜巴莉夫人的趣味左右着宫廷艺术,致使对妇 女的描绘成为压倒一切的艺术风尚。它以上流社会男女的享乐生活为对象,描绘 全裸或半裸的妇女和精美华丽的装饰。它主要起源于上层社会的需要,罗可可风 格出现后在贵族引起“共鸣”的时尚。也可以说,贵族们崇尚华丽的风气,诱发 了罗可可艺术。 从古典主义绘画到罗可可绘画,我们从这个过程看出的是一种绝对不同于以往的充满理性与神性的绘画样式,充满人间意趣的绘画作品出现了,画家们终于 从神的传声筒还原为自然和生活歌颂者。 罗可可艺术的历史进步性表现在:对神学桎梏的彻底打破,罗可可艺术完成了文艺复兴以来对虚伪神性的彻底抛弃。它以一种似乎极端的表现风格,彻底打破了神学强加在艺术身上的枷锁。从此以后,无论是市民艺术,浪漫派艺术,现实主义艺术,印象派艺术以及以后流派纷呈的现代和后现代艺术,基督教神学的强迫性影响从画家们的作品中再也看不到了。罗可可艺术标志着这一伟大转折的完成。 尽管罗可可艺术在表现题材上有些狭窄,但它所表现的内容都是真正的、自然的、活生生的世俗生活。贵族的生活是十八世纪的欧洲世界必不可少的一部分,罗可可艺术便指向了这种生活。罗可可艺术对贵族生活糜烂奢侈一面的描绘,既是投贵族的艺术喜好,也是对这种奢糜生活的记录,并以此留下画家本人的情感批判。罗可可艺术对现实生活的大胆表现,对生活细节不厌其烦的描绘方式,都深深影响了以后的艺术流派。 罗可可绘画在艺术形式上显然比古典主义绘画更进一步。以罗可可艺术的三位代表画家为例:在布歇的画中,既可以看到明快优美的色彩铺展,也可以看到鲁本斯式的豪华感的细微表现;华托则以其对色彩的敏感感受和细腻使用而著称;弗拉戈纳尔的画中透出的浓郁生活气息、单纯而热烈的激情明快而华丽的色调和恰到好处的明暗光影处理被后代画家称道。以上三位画家为代表的罗可可艺术将油画创作的技巧与形式推向了又一个高峰。 抛开艺术史家们层层的话语遮蔽,我们需要用今天的眼光来重新认识这种艺术风格的所谓“轻浮”和“艳情”的特征。假如以今天的眼光来看罗可可艺术的作品,比如布歇的《拜访法尔肯的维纳斯》,比如华托的《朱庇特与安提帕特》,再如弗拉戈纳尔德《偷吻》,而丝毫不知道这些画作的创作年代、有艺术背景与流派归属,我们还会把这些画作称为艳情、轻浮之作? 简单地以貌似辩证法的眼光去看待罗可可艺术是远远不够的,即使辩证法适用于一切事物,它也只是一个切入点,大量具体的分析和多维视角的观察、解析、还历史事物原本面貌是一项更为艰苦和更加必要的工作。我们一定要好好学习历史,并结合实际去评论巴洛克、罗可可的艺术价值。