新艺术的实验西方现代艺术

塞尚《大浴女》赏析 塞尚晚年力作〈〈大浴女〉〉让我们更清晰的了解和认识这位被一直认为是天才和绘画的象征——“塞尚”。他是后期印象派的代 表 关于同志近三年现实表现材料材料类招标技术评分表图表与交易pdf视力表打印pdf用图表说话 pdf 人物，即印象主义后的绘画革新家。他与凡高、高更一起被后人称为后印象主义画家。塞尚毕生追求表现形式，对运用色彩、造型有新的创造，堪称：“现代绘画之父”。① 与其它同一主题的画作相比，这幅画面显的更为宽阔，画中的水面清晰可见，开阔的天空似乎要给浴女们足够的洗浴和嬉耍的空间。塞尚并没有像其他画家那样有一个明确的且唯一的视点，相反他更乐于坚持从多个视角不同角度的去观察运营着画面。由于他那巧妙的构图和高超的色彩的经营，使画面在看似不和谐之中达到了统一、和谐。 塞尚似乎深思于画面的等腰三角中，他画了三组人，每组人群都从不同的角度来描绘。这些人群又各自够成更小的三角形，由浴女们的曲线与内收的树干的弧线一起构成了一个等腰三角形，而浴女们那些此起彼伏的曲线与那远处天空跳动的卷云又一同使以往三角形单一的稳定感赋有了生命，画面随之而波动了起来，从而更有力地表现出浴女们轻松、欢快的浴乐场面。然而，塞尚并没有在意浴女们的解剖与比例关系，而是更注重心理的空间感。你看那画面靠左下角那位倾身而里立的浴女，肥大的腿和臀像一个圆锥体，头小的像个昆虫，而与那树干相比树干则更像圆柱体，这正是塞尚一直说的：“自然的一切，皆可由圆形、圆锥形、圆筒形表现出来。”的真实写照。这也正是被立体派、表现主义派、天真派和抽象主义派们奉他为他们的前奏和实验的原由之一。 那被故意拉长的女性形体回应了过去大师的作品，但是那浅蓝色的天空、淡红的浴女、棕色的树干与地面以及以浅调子突出深调子，那饱和的高纯净的色彩与那非常轻妙的笔触更富有变化，也符着浴女曲线与光一起颤动，在看那些棕色的树干似乎被镶嵌在宽阔的天空中，但由于天空浅蓝的冷色与前面浴女和地面的暖色相互对比，那浅蓝的天空似乎逼到了宇宙的边际同时也使浴女们置入一个永恒的空间。塞尚正是创造性地用色彩来表现三维的视觉空间，他完全打破了以往画家以透视来表现三维空间的空缺。这副画同样出现了塞尚以往作品中的空白，但着并不影响人们对塞尚作品的挚爱，更不影响本身画面的效果。正如曾一度与塞尚在普洛文斯作画的雷诺阿说：“塞尚是令人钦佩的，如果两块颜色不十全十美，他是不会涂上去的。”②。那么塞尚涂两块已足够了，其余的没有有什么关系呢？ 〈〈大浴女〉〉正是集中给我们展现了塞尚毕生追求的表现形式，对色彩的运用对造型的创造。对构图的探索与创造。〈〈大浴女〉〉异常宏伟的构图与形象更接近音乐与建筑。写意的特征亦极为鲜明富有着画者与被画者的狂热激情、平衡、和谐的感觉。 在被称为探索绘画先知的十九世纪画家中，从成就和影响来看最有意义的乃为塞尚。他终身奋斗不息，用颜料来表现他艺术的本质与观念的斗争。这些观念扎根于西方绘画的伟大传统之中，在包容性方面，甚至属于艺术中最革命的观念之列。③ 《亚威农少女》创作于1907年，是第一张被认为有立体主义倾向的作品。这幅画在以后的十几年中竟使法国的立体主义绘画得到空前的发展，甚而波及到其他领域。不仅在美术上，连芭蕾舞、舞台设计、文学、音乐上，都引起了共鸣。《亚威农少女》开创了法国立体主义的新局面，毕加索与勃拉克也成了这一画派的风云人物 作品简介 过去的画家都是从一个角度去看待人或事物，所画的只是立体的一面。立体主义则 是以全新的方式展现事物，他们从几个角度去观察，从正面不可能看到的几个角度去观察，把正面不可能看到的几个侧面都用并列或重叠的方式表现出来。在《亚威农少女》中，五个裸女的色调以蓝色背景来映衬，背景也作了任意分割，没有远近的感觉，人物是由几何形体组合而成的。 这幅画表现了什么内容呢？毕加索以他青年时代在巴塞罗那的“亚威农大街”所见的妓女形象为依据。这条街以妓院林立而闻名。画上的女人形象，就是这条街上的妓女们。画家曾多次易稿。在这件作品的草图中，曾出现一个海员和一个刚进门的医学院学生。毕加索大胆地画了五个姑娘和两个男人。背景是妓院的客厅或饭厅。后来几经修改，又作了大胆的突破。毕加索曾对人说，他讨厌这个题目。因为亚威农的姑娘并非是些风姿绰约的妙龄女郎，而是一些出卖爱情的妓女，她们与画上的女人毫无干系。这幅画的题目是诗人萨尔蒙给起的。也许诗人根据这些裸女，才把她们与亚威农妓院联系起来。由于这一幅以裸体女人为主的大型油画，与那个不光彩的亚威农背景相联系，使毕加索受到了猛烈的抨击。在此画的第一幅稿子上，一如前述，还有两个男子，一个持花束，另一个从布幕后面走出来。毕加索自己说，他原想画一个骷髅，以强调死亡。如是这样，似乎又多了一层“劝人为善”的意义，以符合西班牙人对花街柳巷蔑视的传统。但后来全部改变了，以立体主义 方法 快递客服问题件处理详细方法山木方法pdf计算方法pdf华与华方法下载八字理论方法下载 来表现五个裸女。在这幅画上，观者多少可感觉到画家着意于纯粹的田园风趣。五个裸体女人的色调是以蓝色背景来映衬的。蓝色使他想起戈索尔那美丽宜人的风光。但观众看到的是一群几何形变异的女人。右边坐着的一个女人像戴上假面具一般，当她转过身来，脸容十分可怕，就像从阴间爬出来的鬼魅，颜色却又像烤熟了的乳猪。最左边一个女人，正拉开赭红色的布幕，为要展示她的姊妹们的菱形身体。她那严肃的表情，侧面的轮廓，简直像埃及的壁画。中间还有一堆水果。 作品现收藏于纽约现代艺术博物馆。布，油彩。尺寸243.9×233.7cm。 3创作背景 正当人们在期待毕加索以“蓝色时期”和“粉红色时期”为起点 毕加索-亚威农少女[2] 而迈出新的探索阶段时，1907年，他画出了这幅《亚威农少女》。这是一幅与以往的艺术方法彻底决裂的立体主义作品，当时不免要遭到来自社会各方面的嘲讽和指责。 立体派艺术家追求碎裂，解析，重新组合，形成一个单独的图片，在许多幅画面的组合下显示他的创作目标。.艺人从多视点来描述对象，把他们的图片，为了表达对象是最完整的图像。.的每一个视点的视图对象重叠的放电引起许多垂直和平行线角，散阴影使立体主义的画面没有传统西方绘画的透视三维造成错觉。背景和画面的主题是互动穿插，让立体主义的图片来创建一个二维空间的绘画特征。[2] 4意义 总之，这些形象使人观后产生作呕感。当诗人把这些形象与亚威农相联系时，观众似乎受了侮辱一般，责骂毕加索的鄙俗。 殊不知，这幅画在以后的十几年中竟使法国的立体主义绘画得到空前的发展，甚而波及到其他领域。不仅在美术上，连芭蕾舞、舞台设计、文学、音乐上，都引起了共鸣。《亚威农少女》开创了法国立体主义的新局面，毕加索与勃拉克也成了这一画派的风云人物。 亨利·卢梭收成"我自己，肖像=风景。"在调色板，右边对左手有画笔，真的有画家和为了说了正毅然站着的46岁的卢梭的姿态。 丰富多彩的国旗闪耀的船停泊于向背后流动的塞纳河，埃菲尔铁塔，在天空奇妙的形状的云和气球正在内部浮在上面。 针对在河岸的人们太大了的卢梭的姿态。也许他没知道远近法画法。对脊背做各种各样的东西散布的风景的巨大的自画像有实际感到奇怪的印象。 卢梭不受到学术性的教育，要40几岁，终于正式开始画了绘画。他的作品被把在嘲笑包起来，据说洗了辱骂。 但是，大师高更或者毕加索承认他的才能，盛赞了。 卢梭在叫法国西北部的赖伐尔的小的市镇出生了。房子没能贫穷地去美术学校。 他为吃就任监视在巴黎的海关路过那里的人以及东西的看门人的工作。以及找到空闲，拿毛笔，继续画了。 在那样的生活继续了20年左右的时候，"我自己，肖像=风景"被画了。用黑决定上下，戴喜欢的帽子的自己的姿态。   他是被新的东西吸引的画家。在这件作品被画的前一年开放的巴黎万国博览会。这时万国旗装饰会场，气球在空中飞行，埃菲尔铁塔变成了宣布。他直爽地被此时的光景感动，正在这里画。 但是，这件作品的风景全部没正表现巴黎的摩登的太阳好好与歌川广重的"江户名胜図絵"的太阳画法相似。 以及云也好好与浮世绘的山以及岛的形状相似。因为日本的浮世绘正在巴黎万国博览会被开的时代，欧洲大量流出去所以卢梭也正受到那个影响。 他几岁完成了这件作品之后正捣鬼。在被对卢梭的胸发光的徽章无报酬地告诉市镇的人们绘画的教授任命了的时候得到的勋章。但是，被任命的是完成了。就是说，画，正加上。 而且，是叫在调色板的"克莱蒙和约瑟芬"的文字。约瑟芬用领先于克莱蒙画这件作品的2年前的妻子的名9年以后再次结婚的第2个妻子的名。知道过后也加上这个。   遵守绘画的规则吧，没想是否卢梭想要巧妙画。只不过想画喜欢的东西的想法。正像天真烂漫的小孩那样画了。 高更和毕加索盯住看了他的独创性。也许是没能据说他们天真地画。 当时的记录好像表示卢梭的性格，非常天真烂漫了。但是，那个天真作为绘画出现的话能产生了很自由气氛。那个是卢梭的魅力。 正因为学术性的东西是不存在，好像小孩正画了的世界全然天真烂漫的卢梭才是创rukotogadekita世界。可以说他是"独创是艺术"的话 证明 住所证明下载场所使用证明下载诊断证明下载住所证明下载爱问住所证明下载爱问 的画家。                 卢梭 布面油画 143crn×llOcm 1890年 布拉格国立美术馆 这幅油画是卢梭参加第五届独立沙龙展时的作品，这时他刚当了六年画家。画中的人物戴着大雷帽，在星期日外出时才穿的西服领子上佩戴着荣誉勋团的勋章，手握调色板立于画面中问。对卢梭艺术推崇备至的德劳内夫人说过：“他经常表现身着干净服装、令人称赞的法国小市民的典型形象。”画面上那些在塞纳河畔散步的人根本不符合透视法则，对整幅画的和谐效果起了破坏作用，但却表现了卢梭作为画家的自信。画面上还有饰有万国旗的船，空中漂浮着刚刚发明不久的气球，还有给他祝福的风景。调色板上有两位他曾爱恋过的妻子的名字——克莱曼斯和约瑟芬，这是后加上去的（1899年卢梭与后者结婚，而对第一位妻子的怀念经常使他陷入孤独）。 基本信息 骚动的城市 波菊尼 名称：骚动的城市 类型：油画 年代：1910年 作者：波菊尼（意大利） 规格：198厘米×300厘米 馆藏：纽约现代艺术博物馆 2创作始末 波菊尼（Umberto Boccioni，1882—1926）原在巴拉的画室学习，最初是从巴拉学习点彩派的画法，自接触了未来派的理论家和领导人马里内蒂之后就接受了他的理论，并最早把这种理论运用到绘画中。1910年，波菊尼参加了《未来派绘画技巧宣言》的起草工作，把他的思想结合到了宣言之中。这幅《骚动的城市》就典型地反映了他对未来派理论的诠释。用他的话说，这幅作品表现了“劳动、光线和运动的伟大综合”。在画面的前景出现了一匹巨大的跃动的马，占据了大半个画面，它在城市中横冲直撞、左冲右突，几乎把整个城市搅动起来，使之处于骚动之中。这匹烈马在这里具有象征意味，它象征着现代技术化的工业社会，人们在这个社会中都不得不被它的工业化进程所吸引和推动、冲击，有的在这种冲击中倒下了，有的则更为激动和兴奋，但整个画面的骚动和冲突则给人以混乱和惊恐的感觉，这也是现代社会中人的普遍感觉。 3作品赏析 整个画面仍体现出点彩派对波菊尼的影响。他用细碎的笔触和色点来塑造形体和空间，用跃动的短线来勾画激烈运动的人物和物体。光线显得迷乱而有动感，在运动中散乱开来，四处散动，色彩也起伏不定，显得耀眼而令人眼花缭乱。这些都增加了画面的形式与主题的和谐。 4画家简介 安贝尔多·波菊尼（Umberto Boccioni），1882年生于意大利，18岁的时候来到罗马，本来是想从事新闻工作，但是由于对绘画发生了兴趣，在威尼斯艺术学院学习了一年，随后迁居米兰。1914年，第一次世界大战爆发，波菊尼与许多未来主义艺术家一样，自愿入伍，1915年负伤，1916年不幸去世，享年34岁。波菊尼死后，未来主义也随之走向衰落。[1] 塔身为钢架镂空结构，高324米，重10000吨。有海拔57米、115米和274米的三层平台可带给人心理震撼力的景象供游览，第四层平台海拔300米，设气象站。顶部架有天线，为巴黎电视中心。从地面到塔顶装有电梯和阶梯，710级阶梯。铁塔采用交错式结构，由四条与地面成75度角的、粗大的、带有混凝土水泥台基的铁柱支撑着高耸入云的塔身，内设四部水力升降机（现为电梯）。它使用了1500多根巨型预制梁架、150万颗铆钉、12000个钢铁铸件，总重7000吨，由250个工人花了17个月建成，造价为740万金法郎，每隔7年油漆一次，每次用漆52吨。这一庞然大物显示了资本主义初期工业生产的强大威力，与其说是建筑，不如叫做装配更为恰当。在设计、分解、生产零件、组装到修整过程中，总结出一套科学、经济而有效的方法，同时也显示出法国人异想天开式的浪漫情趣、艺术品位、创新魄力和幽默感。就象二次大战胜利后远渡大西洋、在纽约落户的自由女神像一样，埃菲尔铁塔在不和谐中求和谐，不可能中觅可能。它对新艺术运动的意义决不能牵强附会地理解为只是从塔尖到塔基那条大曲线，或者塔身上面一些铁铸件图铁塔夜景案花边：铁塔恰如新艺术派一样，代表着当时欧洲正处于古典主义传统向现代主义过渡与转换的特定时期。近年来巴黎市政府对铁塔进行了大的维修。从1985年圣诞节起，铁塔改用碘钨灯照明，夜晚塔身呈现金黄色，既节省电，也更加美观。 塞尚戴帽的自画像 编辑 油画《塞尚戴帽的自画像》是一幅世界名画。 塞尚的画具有鲜明的特色。他强调绘画的纯粹性，重视绘画的形式构成。通过绘画，他要在自然表象之下发掘某种简单的形式，同时将眼见的散乱视象构成秩序化的图象。 【名称】塞尚《戴帽的自画像》 【年代】1882--1897[1]年 【作者】保罗·塞尚 【规格】65x51厘米 【属地】伯尔尼美术馆藏 【简介】 保罗·塞尚(Paul Cezanne，1839—1906)，后印象主义的代表画家，出生于法国南部城市埃克斯—普罗旺斯。其父是一位富有的银行家，曾一心想把儿子培养成律师。然而塞尚却对法律不感兴趣，而特别醉心于绘画。1862年，23岁的塞尚终于冲破家庭阻挠，来到巴黎专攻绘画。他经好友左拉介绍，结识马奈、毕沙罗等印象主义画家，并多次参加印象主义画展。后来，他由于不满于印象主义的艺术追求，而与印象主义者分道扬镳，从此专心于自己的艺术探索，并在绘画上取得巨大成就，成为西方现代美术史上一位卓越的、划时代的画家。 塞尚的画具有鲜明的特色。他强调绘画的纯粹性，重视绘画的形式构成。通过绘画，他要在自然表象之下发掘某种简单的形式，同时将眼见的散乱视象构成秩序化的图象。为此，他进行了一系列艺术探索。首先，他强调画中物象的明晰性与坚实感。他认为，倘若画中物象模糊不清，那么便无法寻求画面的构成意味。因此，他反对印象主义那种忽视素描、把物象弄得朦胧不清的绘画语言。他立志要“将印象主义变得象博物馆中的艺术那样坚固而恒久”。于是，他极力追求一种能塑造出鲜明、结实的形体的绘画语言。他作画常以黑色的线勾画物体的轮廊，甚至要将空气、河水、云雾等，都勾画出轮廓来。在他的画中，无论是近景还是远景的物象，在清晰度上都被拉到同一个平面上来。这样处理，既与传统表现手法拉开距离，又为画面构成留下表现的余地。其次，他在创作中排除繁琐的细节描绘，而着力于对物象的简化、概括的处理。他曾说： “要用圆柱体、圆锥体和球体来表现自然。”他的作品中，景物描绘都很简约，而且富于几何意味。有人认为，这是由于他不擅长于精细描绘而采取的做法。然而，即使这种说法是事实，也说明他具有扬长避短的本领，从而在形式构成方面发挥出创造才能。其三，为了画面形式结构，他不惜牺牲客观的真实。他最早摆脱了千百年来西方艺术传统的再现法则对画家的限制。在塞尚画中，经常出现对客观造型的有意歪曲，如透视不准、人物变形等。他无意于再现自然。而他对自然物象的描绘，根本上是为了创造一种形与色构成的韵律。他曾说：“画家作画，至于它是一只苹果还是一张脸孔，对于画家那是一种凭借，为的是一场线与色的演出，别无其他的。”